Grapus

Cartel, "Festival mundial del teatro", 1979.

Cartel, "El niño en la sociedad industrializada", 1976.

Serigrafía, "Lenin", 1977.

Cartel "Junio en la calle", 1977.

Aunque muchos diseñadores conocen qué fue el colectivo Grapus, como en la entrada anterior he colocado una cita de quien fuera uno sus miembros, me parece adecuado hacer aquí una pequeña referencia.
Fundado en 1970 por Pierre Bernard, Gérard Paris-Clavel y François Miehe, -todos ellos miembros del Partido Comunista Francés, formados en el Institut d’Environnement de Paris y a los que unos cinco o seis años más tarde se unirían Jean-Paul Bachollet, Alex Jordan y Marc Dumas-, surgió todavía al calor de los últimos rescoldos del Mayo del 68.
Y es que en aquel mes y en aquel año, París se había convertido en un escenario idealista donde la gráfica se contemplaba -como ya hicieran las vanguardias artísticas de principios del siglo XX- como un herramienta de intervención social altamente eficaz. Los estudiantes de la Escuela de Bellas Artes se unieron a la huelga general y ocuparon los estudios de diseño y las imprentas; organizados bajo la denominación de Atelier Populaire, y funcionando de manera asamblearia, produjeron carteles y periódicos murales de una enorme vitalidad.
De aquel clima revolucionario surgió Grapus. Con una metodología procedente en buena parte de la semiología tamizada por la influencia de la gráfica polaca, -cuyas enseñanzas habían recibido Bernard y Paris-Clavel directamente de Henryk Tomaszewski- sus imágenes, a veces agresivas y en ocasiones hasta repulsivas, con sus colores brillantes, sus garabatos infantiles y sus impredecibles mezclas de formas fueron una llamada de atención no sólo para sus compatriotas sino para un buen número de diseñadores inconformistas de todo el mundo que encontraron en ellos un camino a seguir.
Grapus, cuyo nombre procedía de un juego de palabras entre “graphics” -su profesión- y “crapules staliniennes”, -su manera crítica de aproximarse al comunismo en un momento en el que se estaba poniendo en duda la doctrina oficial- significaba una concepción del diseño plena de idealismo y compromiso. Aunque el trabajo se hacía de manera individual, respetando el estilo de cada uno, cualquier propuesta se firmaba de manera conjunta tras ser examinaba y discutida por todos los miembros del grupo; era la forma de poner en práctica unas ideas que suponían una nueva visión de la sociedad (enfocada desde la izquierda) y que se concretaban en un trabajo con vocación de servicio público, ligado al ámbito de la cultura -en sus líneas más progresistas- y al de la política -porque para ellos el desempleo o la educación eran, al fin y al cabo, cuestiones políticas- y lo más alejado posible de la publicidad que para el colectivo no era sino una herramienta del poder que constreñía la libertad creativa.
Durante unos veinte años -su disolución se producirá en enero de 1991, tras haber recibido el Gran Premio Nacional de Arte Gráfico de Francia- Grapus diseñó campañas sociopolíticas impactantes -como la de la “Union du peuple de France”-; creó la imagen corporativa del sindicato comunista CGT y desarrolló la línea de comunicación de un buen número de organizaciones de ayuda humanitaria, centros culturales -como La Maison de la Culture de Nanterre o la de Sant Etienne-, teatros -“La Salamandre”, el Theàtre du 8ème o el Petit Odeon- y museos -entre otros el de la Revolución Francesa-; agrupó a diseñadores reconocidos de todo el mundo para llevar a cabo proyectos en torno a una determinada causa como sucedió, por ejemplo, en 1989 cuando sesenta y seis profesionales fueron convocados para realizar una serie de carteles -que serían expuestos en la conmemoración del Bicentenario de la Revolución Francesa- con el tema de los derechos humanos; mostró su trabajo en más de cincuenta exposiciones y provocó, en su momento, una buena cantidad de literatura. No obstante, quizá por encima de todos estos logros esté que Grapus sirvió -y aún sirve- de modelo para quienes creen que el diseño tiene una función y una responsabilidad social.

Si queréis ver un estupendo archivo con imágenes de sus trabajos, podéis consultar: http://www.aubervilliers.fr/rubrique113.html

F.H.K. Henrion (1914-1990)

Portada de la revista Harper's Bazaar, 1943.

Cartel, 1943.

Portada de la revista Future no. 2, 1948

Doble página interior de la revista Future no. 2, 1948.

Ilustración "Changing of the guard", 1956.

Cartel Stop Nuclear Suicide, c. 1963.

Hacía tiempo que quería publicar una entrada sobre F.H.K. Henrion, un diseñador que destacó en su tiempo por su compromiso con el diseño y con aquellas causas en las que creyó. Así que aquí va.

Nacido en Nuremberg (Alemania) en 1914, entre 1933 a 1934 estudió diseño textil en París con Fred Levin. Un año más tarde, comenzó su formación como cartelista y diseñador gráfico en el taller de Paul Colin. Allí conoció el trabajo de A.M. Cassandre y tomó contacto con las ideas del arte moderno y, en especial, con el surrealismo.
En 1935 ganó el primer premio del Salon de l’Electricité. Entre 1936 y 1939 abrió diversos estudios en París y Londres y diseñó carteles, packaging y exposiciones.

Su trabajo se mostró en la Exposición Universal de París de 1937 y en la Feria Mundial de Nueva York de 1939.
Cuando estalló la II Guerra Mundial abandonó Francia, para trasladarse a Gran Bretaña -adoptó la nacionalidad británica en 1946- y trabajó como asesor para el Ministerio de Información y la Oficina Americana de Guerra en Londres. Asimismo, realizó carteles de propaganda bélica en los que puede percibirse la influencia del surrealismo y destaca su dominio del fotomontaje.
Henrion trabajó también para agencias de publicidad y editoriales. Fue director de arte de las revistas Contact y Futura y diseñó cubiertas para Harper’s Bazaar. En 1951 abrió la consultoría de diseño Henrion Design Associates. En los años sesenta fue asesor de la British Transport Commission, de Olivetti y de otras empresas, pues uno de los terrenos en los que destacó fue el de la identidad corporativa. Entre sus clientes hay que mencionar a KLM Royal Dutch Airlines, Penguin Books, Shell, London Transport, Coopers & Lybrand, Audi, Cunard Shipping, Oxfam y C&A.

A lo largo de su vida recibió numerosos premios, fue presidente de la AGI y de Icograda, profesor del Royal College of Art de Londres (1955-65) y del London College of Printing (1976-79).
Henrion siempre creyó en la importancia del mensaje pero, también, en la necesidad de cuidar la estética en cualquier trabajo de diseño. Fue un diseñador comprometido y trabajó (la mayoría de las veces como voluntario) en causas con las que se sintió identificado.
Para ver algunos de sus trabajos podéis consultar:
http://www.rennart.co.uk/henrion.html y http://flickr.com/photos/83759236@N00/503204920

A lo largo de su vida escribió varios libros, entre los que hay que mencionar The Image of a Company: Manual for Corporate Identity, Phaidon Press, 1990. (Todavía se pueden encontrar ejemplares en Amazon, a un buen precio).

En el año 2004, la Universidad de Plymouth le dedicó una exposición y en 1989, Mike Hope publicó: FHK Henrion: Five Decades a Designer, Flaxman Productions. (Hoy prácticamente imposible de conseguir excepto en alguna biblioteca americana).

En torno da Baskerville

Cartel de Pancho Lapeña.

Uqui Permuy me ha enviado hoy la convocatoria de esta exposición que se celebrará en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC) del 8 de enero al 1 de marzo de 2009.
Os traduzco el texto que me ha mandado Uqui, gallego (espero que mi traducción sea decente):
“En torno da Baskerville es un proyecto de la Asociación Gallega de Diseñadores (DAG).
Partimos de la idea de transformar un elemento icónico, como es un libro, en una obra diferente, un libro objeto, en otro libro o en un objeto en el que no quede rastro de su identidad original. En cualquier caso, la intervención supone la diferenciación y la personalización de una obra seriada o impresa, la creación de un diseño original no comercial a partir de un objeto de manufactura industrial.
Invertimos el proceso de creación: si normalmente creamos una maqueta para la producción, en este caso partimos de un objeto ya producido industrialmente para la creación de un original.
El libro escogido es A imprenta en Galicia. Século XIX, un catálogo o inventario de la producción impresa en ese siglo editado en dos volúmenes por la Xunta de Galicia en el año 2002, en la colección Bibliofilia de Galicia.
Escogemos este por ser una publicación austera y por su fuerza como representación icónica: un libro clásico encuadernado en pastas duras y maquetado con Baskerville, una tipografía diseñada en el siglo XVIII por John Baskerville, criticada durante mucho tiempo porque ‘cegaba a los lectores por sus trazos finos y estrechos’ pero posteriormente muy empleada, precisamente por su elegancia y claridad, en biblias y edición de clásicos literarios.
Se escogió precisamente el nombre de la tipografía, una opción no tomada por los diseñadores que participan en este proyecto pero central en el diseño del libro, para dar título a la exposición.
Los diseñadores gráficos e industriales que participan en este proyecto son: Lía Santana, X. María Torné, Pepe Barro, Xosé Salgado, Uqui Permui, Daniel Bembibre, Antón Lezcano, Álvaro Valiño, Pancho Lapeña, Gisela Ahumada, J. Ramón Méndez, Javier Perez, Jon Solozabal, Alberto Montiel, María Pereiró, María del Rosario Domínguez, Natalia Crecente, Óscar Canal, Óscar Otero, Segundo Fernández e Rafa Caccamo.

Más información en: http://www.cgac.org/

Suerte con la exposición.

Eric Olivares, ubicuo y multidisciplinar

Eric Olivares.

Diversos carteles, 1999-2008.

Me cuenta Eric Olivares que expondrá sus carteles en la Décima Bienal del Cartel en México (27 de octubre al 1 de noviembre en Xalapa), uno de los eventos de referencia en este campo de la gráfica. Así que aprovecho la ocasión para colocar una entrada sobre su trabajo.
Eric es un diseñador difícil de clasificar pues hoy actúa con los recursos de un viejo cartelista y mañana se aplica en su tarea de “alquimista cibernético”, como lo ha denominado Joan Costa.
A veces diseñador gráfico, a veces artista, a veces instalador, performer o cartelista; imposible de clasificar por multiforme y ubicuo, si algo se puede decir de Eric es que es un hombre multidisciplinar y, en ese sentido, muy de su tiempo. Ya lo era en su época de estudiante cuando, todavía en México y comenzando a caminar por los territorios de la creación, formó parte del grupo INS-ART (siglas de Inseminación Artificial / arte acciones) y se inició en la ocupación de mezclar arte y diseño.
Inquieto, curioso, en todo momento quería saber cómo respondía la gente ante sus propuestas: “Como grafista siempre tenía que esperar a ver alguna reacción con mis carteles (por ejemplo: si lo pintarrajeaban, o lo arrancaban de la pared, o se lo robaban y lo tenían de decoración en su casa) para saber si había servido de algo o si había habido una reacción por parte del público que estaba viendo ese planteamiento”, ha comentado en una entrevista. Pero, impaciente como un niño, no le gusta esperar. De ahí sus incursiones en el mundo de la performance, un medio que permite conocer la reacción del público de manera directa e inmediata.
Perdido así el miedo a traspasar los límites entre el estatismo del papel y la vivísima actividad de la performance, Olivares decidió dar un paso más y entrar en el año 1994 en los mundos multimedia, a través del Centro Multimedia de México, una consecuencia evidente de su modo de entender arte y diseño: “Inicialmente, aplico proyectos de investigación a proyectos artísticos y, luego, busco de qué manera vincularlos al diseño o teniendo una utilidad didáctica o social, depende de cómo se quiera plantear”, dice Eric.
Sin ningún tipo de atadura creativa y con un pie dentro de la tecnología más avanzada pero, al mismo tiempo, con otro en las herramientas más sencillas y tradicionales, Eric habla perfectamente tanto el lenguaje del cartel como el de la instalación electrónico-digital más sofisticada.
Amante, observador y practicante, de disciplinas diversas, atraviesa constantemente sus fronteras pero, además, cruza con entusiasmo –aunque con el debido respeto- las líneas invisibles -aunque evidentes- que existen entre las distintas culturas. De este modo y sin dejar jamás a un lado su origen mexicano, ha sabido empaparse perfectamente de los diferentes imaginarios de aquellos lugares por los que ha pasado a lo largo de su vida. Asentado actualmente en Barcelona, su trabajo refleja esa capacidad de asimilación porque, en su opinión: “Hay que generar nuevos códigos y adaptarse al entorno, ser versátil y proponer planteamientos de análisis comunicativo, estructural, conceptual y formal sofisticados ya que como se plantean las directrices del diseño actual así lo exige. Formalmente suelo combinar mis códigos culturales a nivel cromático con los códigos que adopto en el lugar donde estoy”. Y es que para él, el diseño es ahora más que nunca una experiencia “glocal”.

Para conocer mejor el trabajo de Eric: http://www.ericolivares.com/

Frédérique Daubal. Más allá del diseño gráfico

Lovers Dress.

Fotograma del anuncio para el lanzamiento del perfume de Women Secrets. En colaboración con la agencia Villar-rosas.

Instalación "Green Rainbow Kid at Playtime". Feria internacional dedicada al mundo infantil.
7900 Crystal Prism para Nokia.

Pieza de mailing para Vicari, light designer.

Camiseta.

Frédérique Daubal tiene la capacidad de traspasar los límites entre los diversos campos del diseño con una enorme naturalidad, simplemente porque, como ella misma dice, no hace objetos concretos sino piezas, “una palabra abstracta” que le gusta usar para indicar que “no se queda en un producto específico” y que el medio puede cambiar en función de lo que quiere expresar.Diseñadora gráfica e ilustradora, sus indagaciones en busca de una mayor interacción con la gente, la han conducido hasta los territorios de la moda. Y es que no le bastaba con las dos dimensiones del papel pues quería hacer algo que pudiera utilizarse y adquirir vida con el uso. Así que comenzó a trabajar con tejidos y a diseñar ropa. Eso sí, en sus propuestas siempre está presente el mundo de la gráfica: “Pienso que el diseño gráfico influye a veces en mi manera de trabajar, vuelvo y trabajo una idea, un sketch, tomo una fotografía, la descargo en el ordenador, trabajo en ella, hago cosas a mano, etc.” Sin embargo, comenta que no está muy interesada en las tendencias, ni en el sistema en el que se desenvuelve la moda aunque sí se define como curiosa y entusiasta de la creatividad de algunos diseñadores que son capaces de innovar la ropa y otros productos que consiguen dar la vuelta a nuestros hábitos cotidianos.
De espíritu inquieto, estudió literatura, arte y diseño gráfico, este último en Francia y en Montreal. Durante varios años ha vivido en Holanda y ahora está instalada en París. Entre sus clientes se encuentran Nike, Paul Smith, Nokia –empresa para la que ha “ilustrado” el modelo 7900 Crystal Prism-, Colette y un largo etcétera de glamurosas empresas.Aquí tenéis su web: http://www.daubal.com/

John Pasche y la lengua de los Rolling Stone

Original del "logo" de los Rolling Stones, diseñado por John Pasche en 1971.

Primer cartel de John Pasche para los Rolling, 1970.

La semana pasada un buen número de diarios se hicieron eco de la adquisición por el Victoria & Albert Museum de Londres del original de uno de los iconos más reproducidos de la historia del rock: los labios y la lengua de los Rolling Stones. Atribuido durante un tiempo a Andy Warhol, en realidad fue diseñado por el británico John Pasche, en aquel momento, un recién graduado por el Royal College of Art de Londres.
Pero la relación con los Rolling había empezado cuando todavía era un estudiante. En 1970, Mick Jagger llamó por teléfono a la Escuela y pidió que le enviaran un alumno aventajado para diseñar el cartel de su próxima gira. A la cita acudió Pasche, recibió el encargo y el resultado fue un pastiche con fuertes ecos del Déco de los años 1930. Ese fue el comienzo de una relación laboral que se prolongó hasta 1974.
Tras esa primera colaboración, en 1971, Jagger volvió a ponerse en contacto con él. La banda estaba poniendo en marcha su propio sello y necesitaba un logotipo. Según el diseñador, el briefing no era muy preciso: los gustos de Jagger y poco más. Sin embargo, le fue suficiente para dar con la idea: los labios y la lengua eran, desde luego, una referencia directa al vocalista pero, también, un símbolo de la imagen irreverente que, todavía por aquel entonces, tenía el grupo. El “logo” bebía del Pop y era simple y directo, quizá por ello ha resistido tan bien el paso del tiempo.
La primera aplicación fue la cubierta del álbum Sticky Fingers, realizada con una fotografía de Andy Warhol. Pasche le pasó el “logo” a Warhol y de ahí la atribución al artista.
Paralelamente a su colaboración con los Rolling, Pasche trabajó en la agencia Benton & Bowles. A partir de 1978 se convirtió en director de arte de la división musical de United Artists y, más tarde, en 1981 y hasta 1991 fue director creativo de Chrysalis Records.
Premiado en numerosas ocasiones, la huella de Pasche está en los discos de David Bowie, Jimi Hendrix, Judas Priest, The Who o The Stranglers, entre otros muchos.
Para ver sus trabajos: http://www.johnpasche.com/flash6.html

Homenaje a Enric Crous-Vidal. III Congreso de Tipografía, Valencia 2008. (Segunda parte)

Miquel Bielsa.

Iván Bravo.

Manuel Estradera (Strader).

Sandra Figuerola.

Sebastián García Garrido.

Dimas García Moreno.

Sergio Jiménez.

Rober Pallás.

Pep Patau.

José Ramón Penela.

José Rafael Rodríguez Moro.

Iris Tárraga e Ibrán Trassierra

Álvaro Torrents.

Hace algunos días prometí que colocaría más imágenes de las piezas tipográficas que se expusieron en el III Congreso de Tipografía de Valencia –y podrán volverse a ver en Lérida a finales de este año- como homenaje a Enric Crous-Vidal por el centenario de su nacimiento.
Aquí os dejo con algunas de esas piezas -faltan todavía más de la mitad de las que se mostraron-, no sin añadir unas palabras de Crous pronunciadas en el año 1950:
“Sensibilidad vibrante y comunicativa. Imaginación en la expresión. Firme, ligero y… fluido. El diseño interpreta el sentimiento.
No importa si es clásico o moderno; las modas pasan… y las personalidades quedan, incluso siendo anónimas. La gráfica rupestre así lo demuestra.”

Pati Núñez. Coherencia ética

Packaging "Fuensanta", 2008.

Identidad y packaging "Cacao Sampaka", 2000-2007.

Packaging "Armand Basi", 2000-2007.

Packaging "Magrit" (zapatos), 2004.

Bolsa "Vinçon", 1996.

Un comentario que hacía Miriam al post que dediqué a “Un mundo feliz”, me dio pie para hablar del compromiso de los diseñadores y de cómo también puede demostrarse en el trabajo más cotidiano. Y ya que ayer Pati Núñez recogió su flamante premio, me gustaría citarla como un buen ejemplo de esto.

Pati trabaja para el mundo empresarial pero tiene muy claras las ideas. En una entrevista –cuyo enlace coloqué junto al comentario sobre el premio- le preguntaban qué haría con la imagen del PP y ella respondía: “Para comenzar, no puedo trabajar para alguien en quien no creo, por tanto les diría que no puedo trabajar para ellos. Soy muy estricta con mis creencias éticas, políticas y religiosas. No quiero ayudarles a que tenga una buena imagen y no tengo ningún inconveniente en decirlo”.
En relación con otra pregunta de esa misma entrevista, la diseñadora comentaba: “Tampoco acepto clientes que provoquen mucha contaminación. Una vez me quisieron encargar un azúcar muy elitista, con mucho plástico, y me negué. Todos hemos de ser un poco más racionales y no podemos hacer que la gente tire el dinero y contamine el mundo, aunque eso quiere decir renunciar a cosas”.
Pati nació en Figueras en 1959. Estudió diseño gráfico en la Escuela Eina de Barcelona donde se graduó en 1978, para convertirse inmediatamente, y a los diecinueve años, en profesora de dicha institución educativa.
Durante el primer lustro de la década de 1980 trabajó, en periodos alternos, para Taula de Disseny -por aquel entonces uno de los mejores estudios españoles- pero en 1985 abrió su propio estudio, desde el que ha realizado trabajos para clientes de la categoría de Vinçon, la Fundación Miró o Armand Basi.
A lo largo de su trayectoria profesional ha recibido numerosos premios Laus y, en el año 2006, fue galardonada por la Generalitat de Catalunya.
Para ella el diseño es comunicación, como señaló en una entrevista publicada en El Periódico (13/12/2007): “La de un producto y la del mundo de emociones que lo rodea”, mientras añadía que los diseños que consiguen ser “un gol de mercado” son los que llegan a las emociones de mucha gente.
Aunque pocos deben ser los que no conozcan a esta diseñadora, aquí está la dirección de su web, donde puede verse su espléndido trabajo: http://www.patinunez.com/

El ¡por fin! de Pati Núñez

Pati Núñez en su estudio. Foto de Gabriel Massana, publicada en Vilaweb.

Pati Núñez recogió ayer el Premio Nacional de Diseño. Cuenta El País en su edición de hoy que la diseñadora proclamó ¡Por fin! y que lo hizo en nombre de las mujeres diseñadoras. Comenta, también, este diario que “hizo coral y vindicativo el primer Premio Nacional de Diseño que se otorga a una creadora”.Han tenido que pasar veinte años desde la creación de este galardón -se puso en marcha en 1987- para que, efectivamente, ¡por fin! se le conceda a una mujer. Y es que, además de Pati, hay muchas mujeres que diseñan en España desde hace tiempo.
Pero a mi lo que me gustaría resaltar es que ha recibido ese reconocimiento no por ser mujer sino por la enorme calidad de su trabajo. Así consta en el acta del jurado: “por su impecable trayectoria, por la elegancia formal de sus proyectos, audacia y generosidad, que provocan lecturas visuales cargadas de sensualidad y poesía”.
¡Enhorabuena, Pati! Ya era hora porque eres una magnífica profesional y te lo mereces.
Aquí os dejo un video del momento en que la diseñadora recoge el premio: http://www.adn.es/cultura/20080902/VID-0038-Nacionales-Principes-Premios-Diseno-entregan.html
Y el enlace de la entrevista de Vilaweb, a la que pertenece la foto de arriba: http://www.vilaweb.cat/www/elpunt/entrevistes/index.html?p_idcmp=2668363