Design Thinks

Fashion hacktivism: moda comprometida

2012-01-23T02:04:00.000-08:00

Moda y activismo parecen dos términos antagónicos. Sin embargo, en los últimos tiempos y como ya vimos en el número 01 de Monográfica, están surgiendo propuestas cuyo objetivo no es sólo transformar la moda sino el mundo en general.

Aunque los ejemplos no son muchos (el trabajo de Kate Fletcher y Rebecca Early es uno de ellos –véase Monográfica 01-), existen algunos muy notorios como es el de Otto von Busch, artista, teórico de la moda y diseñador sueco, que ha desarrollado el concepto de «hackeado de moda» («fashion hacktivism») en su tesis doctoral titulada Fashion-able.

Leer más: www.monografica.org

Cuando la letra puede cambiar el mundo. Futurismo, Dadá y tipografía

2012-01-19T14:23:00.000-08:00

Marinetti, cubierta del libro Zang Tumb Tumb, 1914.

«La imprenta es un ejército de 26 soldados de plomo con el que se puede conquistar el mundo». Como Gutenberg, –a quien se ha atribuido esta frase–, a lo largo de la historia han sido muchos los personajes conscientes de la influencia de la tipografía en la sociedad. Los intentos por parte del poder de controlarla pero, también, su empleo en defensa de la libertad ponen de relieve que, desde su nacimiento en el siglo XV, ha sido temida y respetada por su capacidad para diseminar ideas, despertar conciencias, movilizar a la población y, en definitiva, contribuir al impulso de la democracia.

Leer más: www.monografica.org

Feminismo: una contribución crítica al diseño

2012-01-19T14:20:00.001-08:00

Os copio un fragmento del último artículo que he escrito para Monográfica:

El feminismo en la mayoría de sus formas, propone o demanda una actitud política y/o ética. Como dice Lucy Lippard http://en.wikipedia.org/wiki/Lucy_R._Lippard: «El feminismo es una ideología, un sistema de valores, una estrategia revolucionaria, una manera de vivir.»

El feminismo ha tenido un papel central en el desarrollo de modelos críticos de lectura de las imágenes, espacios y objetos. En relación con el diseño, las feministas han puesto en duda algunos de sus grandes paradigmas y, como en otros territorios, han expresado su interés por lo específico, lo particular y lo local, ampliando así el campo de mira de la disciplina. Se puede decir que, como en casi todas las áreas de la actividad cultural, también en el diseño ha surgido una práctica específicamente feminista aunque, todo hay que decirlo, hoy por hoy es minoritaria si la comparamos con lo que ha sucedido, por ejemplo, en el arte, donde las perspectivas feministas han ido consolidándose.

Para leer más podéis consultarlo en: www.monografica.org

Premio Gràffica 2011. Gracias a todos

2011-12-31T02:51:00.000-08:00

Hola a todos, hace mucho tiempo que no escribo en este blog porque he estado ocupada en otros muchos asuntos, entre otros, la puesta en marcha de www.monografica.org, una revista temática sobre diseño, disponible en la Red.

Cabecera de Monográfica, diseñada por Albert Trulls.

Como sé que algunos todavía -a pesar de la falta de actualización- consultáis este blog, he decidido publicar este post para daros las gracias a todos por el Premio Gràffica 2011, que he recibido recientemente.

Los miembros de Gràffica me pidieron que hablara brevemente (diez minutos) de lo que hago en mi trabajo y en el día a día, así que he decidido publicar el texto íntegro de mi intervención el día de la recepción del premio (19 de diciembre de 2011).

Premios Gràffica

Me gustaría expresar mi agradecimiento más sincero a los miembros del jurado que me ha otorgado este premio y a todas aquellas personas que, a lo largo de estos años, han confiado y confían en mí. Este galardón es, también, para vosotros porque, como a menudo digo, debo lo que soy a quienes esperáis algo de mí pues me obligáis a esforzarme, a no tirar la toalla en los momentos difíciles (que los hay) y a continuar en una tarea bastante solitaria –la del historiador y profesor-, y que no siempre goza de proyección social.

He de decir, asimismo, que estoy doblemente agradecida. Por un lado porque es un reconocimiento a mi trayectoria profesional pero, por otro y sobre todo, porque es un reconocimiento a todos aquellos que trabajamos en el diseño desde otros ángulos: la investigación, la docencia y la divulgación. También nosotros somos profesionales del diseño y contribuimos tanto como los propios diseñadores a que esta profesión y disciplina mejore, crezca y tenga un papel significativo en la sociedad.

Este galardón me hace pensar, además, que, tal vez, estamos en un momento en que la vieja brecha entre la investigación y la práctica del diseño empieza a cerrarse en España y que ya se puede aplicar aquella frase de Kurt Lewin que tanto me gusta citar en mis clases y que dice: “No hay nada más práctico que una buena teoría”.

El equipo de Gràffica me ha pedido que hable brevemente de mi trabajo. La verdad es que hago tantas cosas que no sé realmente por dónde empezar.

Comenzaré diciendo que lo que más me gusta en esta vida, incluso más que las librerías y el chocolate, es aprender porque, como dicen los psicólogos: aprender es comprender. Quizá por eso he dedicado (y dedico) la mayor parte de mi tiempo estudiar y, posiblemente también por eso, soy profesora pues para enseñar hay que aprender: de los libros, de lo que dicen otros colegas profesionales, de los alumnos, de los amigos, de la gente y de la vida en general. Como decía Cicerón: “Si quieres aprender, enseña”.

No me preguntéis por qué –yo también me lo pregunto todos los días y aún no he encontrado respuesta- pero me apasiona el diseño. Supongo que responde a que siento una enorme curiosidad por cuanto me rodea y, ¿qué terreno hay más fértil y desafiante que el diseño? Está en todas partes y se encuentra en un punto de intersección entre diferentes esferas. Le incumbe la estética y la utilidad, los artefactos materiales, los deseos humanos y los asuntos políticos, económicos e ideológicos. Comprende lo público y lo privado y sirve a los objetivos más idealistas y utópicos pero también a los impulsos más negativos y destructivos de los seres humanos. En él se dan tensiones entre ideología y práctica, espíritu y materia, cultura y comercio, producción y consumo, utilidad y carácter simbólico, tradición e innovación, lo real y lo ideal.

El diseño funciona como una lente que permite a los observadores percibir mejor las paradojas más notables de la sociedad y la cultura modernas. Los productos cotidianos, las ideas que los conforman y los significados que transmiten, constituyen un material rico y una base esencial para comprender el mundo en que vivimos.

Para alguien curioso, como yo, el diseño es, desde luego, una fuente inagotable ¿Qué campo, pues, mejor que éste para alguien empeñado en aprender para comprender? ¿qué mejor lugar para quien estudió historia primero, diseño después y ejerció durante un breve tiempo como diseñadora? Está claro; no podía ser otro: la historia del diseño.

Soy historiadora del diseño y lo proclamo como reivindicación: el diseño tiene una historia. Su propia historia, aunque en ella converjan otras muchas historias. La historia del diseño es una rama más de la historia en general que tiene conexiones con otras disciplinas como la antropología, los estudios de la cultura material, la arqueología industrial o la sociología.

Su objeto de estudio –el diseño- no es único ni homogéneo y evoluciona constantemente. Así, en los últimos veinte años, se ha desplazado desde una concentración exclusiva en los objetos, entornos y comunicaciones hacia los procesos, servicios, estructuras y sistemas así como la creación y promoción de ideas.

¿Cómo trabajo? La verdad es que los historiadores del diseño no somos muy distintos de otros historiadores. Trabajamos mirando hacia otras disciplinas tales como la sociología, la antropología, la lingüística, la historia del arte, la de la tecnología y la económica, entre otras. En las últimas dos décadas, además, hemos manejado el bagaje teórico del marxismo, el feminismo, el psicoanálisis y la semiótica.

Llevamos a cabo investigación empírica, lo que significa una observación y una experiencia directa de primera mano. Así, estudiamos los artefactos diseñados, los materiales de qué están hechos y los dibujos, planos, modelos o prototipos existentes en colecciones particulares, museos, empresas, etc. Buceamos en archivos públicos y privados para encontrar documentos e imágenes y, de esta manera, conseguir información relevante sobre aspectos de la producción, distribución, marketing, política del diseño y consumo. Recurrimos a la historia oral para completar la información escrita o como fuente de primera mano cuando ésta no existe porque, también, estudiamos los procesos de trabajo y las ideas de los diseñadores sobre el diseño.

Asimismo, categorizamos, clasificamos, estudiamos tipologías, comparamos, interpretamos y evaluamos los diseños, desarrollamos teorías y métodos que son específicos de la historia del diseño, aunque también tomamos prestados algunos de los que proceden de otros campos del saber. Hacemos inventarios y catalogamos, como el resto de la comunidad de historiadores y, como ellos, publicamos artículos y libros para difundir nuestros hallazgos. Asimismo, comisariamos exposiciones e impartimos clases o trabajamos en museos y archivos. En España somos pocos, poquísimos, todo hay que decirlo.

Por lo que se refiere a mis investigaciones en particular, me dedico a temas contemporáneos y en especial en la historia de las ideas del diseño y de los diseñadores. Se diría, por tanto, que mis intereses se encuentran en el estudio del discurso del diseño y que me ocupo de los distintos argumentos que se desarrollan en la “bibliografía del diseño”. Es un ámbito que se relaciona con la teoría de la literatura, la filosofía y el arte. En mi opinión, es un campo apasionante porque considero que puede proporcionar el marco para el discurso contemporáneo. Este enfoque responde en gran medida a que siempre me he movido entre diseñadores y sé que, a menudo, hablan de su práctica sin un conocimiento de cómo sus preocupaciones forman parte de una tradición histórica más amplia.

Mi objeto de estudio es, por tanto, el discurso del diseño a través de los diseñadores, sus instituciones y su "literatura". Pero, también, me interesa la vertiente política y los aspectos relacionados con el papel social y cultural del diseño.

Como ya he comentado, los historiadores escribimos libros y artículos para difundir el conocimiento. Esa es, también, otra de mis facetas: la divulgación. En 1995 comencé redactando el boletín de la AEPD. Un año más tarde, me convertí en redactora de Visual, revista de la que fui directora entre los años 2000 y 2004. Además he colaborado con numerosas publicaciones que no voy a mencionar porque sería largo y pesado. Lo cierto es que no he parado de escribir, entre otras razones porque creo que, como afirmaba el diseñador gráfico estadounidense Stuart McKee en un artículo publicado en Emigre en 1995, la escritura es sinónimo de documentación y las comunidades que carecen de escritores o publicaciones corren el riesgo de invisibilidad cultural. La identidad de una comunidad depende de su estatus como una auténtica profesión, una posición que es difícil defender sin la evidencia de un cuerpo colectivo de bibliografía.

Bien, además de todo esto, he organizado y dirigido cursos, seminarios, conferencias, etc…, pero de lo que quizá más orgullosa me siento es de los cuatro congresos internacionales de tipografía que venimos organizando un grupo de personas dentro de la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana, desde 2004. Ahora ya estamos preparando el V, que tendrá lugar en junio de 2012. Dejando a un lado el que se han convertido en una referencia en materia tipográfica no sólo en España sino en Latinoamérica, lo mejor de estos congresos ha sido el haber compartido la dirección con quien fue uno de mis mejores amigos, Paco Bascuñán y ahora con Kike Corretjer pero, también y sobre todo, el esfuerzo y el entusiasmo de todas las personas que han integrado e integran el equipo organizador así como los colaboradores. Todos trabajamos de manera voluntaria y gratuita por algo en lo que creemos y es una manera de demostrar que no sólo es el dinero lo que mueve el mundo.

El equipo de Gràffica me ha pedido, también, que cuente qué es lo que hago al cabo del día. Pues la verdad es que no tengo dos días iguales, aunque lo que sí es común a todos es que me voy tarde o muy tarde a dormir, me levanto temprano o muy temprano y… trabajo muchas horas.

Para finalizar, me gustaría mencionar mi proyecto más reciente: Monográfica, una publicación online cuyo objetivo es compartir conocimiento. En una sociedad globalizada y postindustrial, los diseñadores se enfrentan a nuevos retos y reflexionan sobre cuál es la naturaleza del Diseño y cuál es su papel en el mundo contemporáneo. Hoy, en un momento en el que se están ampliando sus competencias, ya no solo se preocupan de los aspectos funcionales sino también de las relaciones físicas, psicológicas, sociales y culturales entre los productos y las personas. Monográfica quiere reflejar estas nuevas situaciones y responder a los nuevos planteamientos del mundo del diseño, que exigen atravesar los límites disciplinares y ensanchar las maneras de pensar sobre los problemas.

Portada del número 1 de Monográfica, diseñada por Serse Rodríguez.

Monográfica es un proyecto compartido con Javi Sastre y en el que colaboran habitualmente Clara Ayxandri, Andreu Balius, Iván Bravo, Adrià Carro, Roger González, Lorena Martí, Vincent Moustache y Albert Trulls, además de otros diseñadores y amigos como Serse Rodríguez, Eloi Gimeno y Juan Gamero. Aprovecho para anunciaros que el próximo número se dedicará al activismo en diseño y que la portada nos la ha diseñado Sergio Jiménez.

Muchas gracias a todos por vuestro apoyo. Gracias nuevamente al jurado por su reconocimiento y al equipo de Gràffica por haber organizado estos premios y hacerlo tan bien. Por mi parte, prometo seguir trabajando con todo el entusiasmo del que soy capaz y mucho más.

Onedotzero Adventures in motion

2009-07-25T07:43:00.000-07:00

Onedotzero, el festival digital que se organiza anualmente desde 1996, se celebrará el próximo mes de septiembre, entre los días 9 y 13, en Londres.

Esta nueva convocatoria se centrará en el “post-digitalismo” pues, en esta ocasión, se pretende examinar la superposición (y el conflicto) que existe actualmente entre el diseño realizado a mano y el digital.

Para Shane Walter, director creativo de Onedotzero, se está retornando a lo manual dentro del diseño digital pero, al mismo tiempo, existe una mutua influencia entre ambas maneras de trabajar y una simbiosis. En ese sentido, habla de “convergencia” y de cómo, al abordar un proyecto, concurren diversas plataformas.

El festival contará con más de 200 películas, así como con exposiciones e instalaciones. La agencia Wieden & Kennedy está trabajando con el ilustrador Karsten Schmidt para crear una identidad mediante sistemas de “realidad aumentada”, que permitirá actualizaciones a tiempo real.

Para más información sobre el Festival y su programación puede consultarse: http://www.onedotzero.com/event.php?id=31216

Heinz Edelmann, algunas palabras

2009-07-25T06:02:00.000-07:00

Christoph Niemann, que fue alumno de Edelmann, tiene publicada una entrevista que le hizo hace algún tiempo. Aquí tenéis algunas frases que he entresacado de ella:

“En 1958 el diseño gráfico no era todavía respetable sino un pequeño oficio perfectamente honesto y modesto, abierto a cualquier pintor fallido, cirujano cerebral inepto o barbero fracasado. Ahora puede ser un poco menos honesto, pero mucho más respetable y, ciertamente, un ejercicio mucho más intelectual, comprometido constantemente en definirse a sí mismo”.

“El diseño es más complejo que el arte. Hay buen-buen diseño, mal-buen diseño, buen-mal diseño, y mal-mal diseño. El arte sólo es arte.”

Para leer el resto de la entrevista:

http://findarticles.com/p/articles/mi_qa3992/is_200207/ai_n9110431/pg_3/?tag=content;col1

Adiós a Heinz Edelmann, director de arte de “Yellow Submarine”

2009-07-25T05:40:00.000-07:00

Retrato de Edelmann en 1968, año de la película "Yellow Submarine".

Ilustración.
Curro, mascota de la Expo 92 de Sevilla.

Ilustración para la cubierta de El Señor de los Anillos, 1971.

Cartel de cine, 1964.

Fotogramas de la película "Yellow Submarine".

El pasado 21 de julio falleció en Stuttgart (Alemania) el diseñador e ilustrador Heinz Edelmann.

Reconocido por su trabajo como director de arte de la película de los Beatles “Yellow Submarine”, Edelmann nació en 1934, en la antigua Checoslovaquia y estudió en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf, una de las instituciones más progresistas de la Alemania de postguerra.

Acabados sus estudios, hacia 1958 comenzó a trabajar como diseñador freelance, ilustrador, animador y profesor en Alemania, Gran Bretaña y Holanda. Siempre en solitario –“Fui mi propio director de arte, ilustrador, diseñador, maquetador y también barrí el suelo e hice el café”- realizó carteles para la Westdeutscher Rundfunk (WDR) (Radiodifusión de Alemania Oeste), publicidad para la agencia Putz, cubiertas de libros para la editorial Klett-Cotta de Stuttgart, así como un buen número de ilustraciones para publicaciones, entre las que hay que citar el periódico Frankfurter Allgemeine Zeitung y la mítica revista Twen, dirigida por Willy Fleckhaus. A él se deben, asimismo, las imágenes de la primera edición alemana de El Señor de los Anillos de Tolkien y Curro, la mascota de la Expo de Sevilla 92.

Desde un punto de vista mediático, esta notable trayectoria profesional se ha encontrado en un segundo plano, en la medida en lo que más se conoce de Edelmann es “Yellow Submarine”, película considerada la quintaesencia de la imaginería psicodélica, dentro de una estética compartida en la década de 1960 con otros grandes diseñadores e ilustradores como Seymour Chwast y Milton Glaser. Precisamente, este último ha afirmado que: “Se hizo famoso gracias a su trabajo en ‘Yellow Submarine’ pero esa celebridad realmente oscureció su verdadero talento e imaginación”.

Para Glaser, además, fue “uno de los diseñadores más brillantes que produjo Europa en el último siglo. Fue un profesional prodigioso y diestro en todos los aspectos del diseño, la tipografía y la ilustración”.

En opinión de Chwast, su trabajo fue “el más fresco y el más libre de cuantos ilustradores he conocido”.

El diseñador alemán Christoph Niemann ha comentado que fue un verdadero intelectual y que “más allá de ser un diseñador único, era un verdadero diccionario ambulante de historia del arte, literatura, filosofía”.

Profesor, hasta 1999, de la Academia de Bellas Artes de Stuttgart, hace algunos años publicó la novela gráfica The Incredible!

Con motivo de su fallecimiento, Steven Heller acaba de escribir un artículo en el New York Times: http://www.nytimes.com/2009/07/23/arts/design/23edelmann.html?ref=obituaries

Por otra parte, quienes quieran conocer el proceso de creación del famoso film, pueden consultar el libro Inside the Yellow Submarine: The Making of the Beatles Animated Classic . Contiene ilustraciones del propio Edelmann. Hay también un interesante texto sobre la película, publicado por Martyn Bamber (2003) que podéis leer en http://archive.sensesofcinema.com/contents/cteq/03/26/yellow_submarine.html

Además, podéis encontrar algunos de sus carteles: http://www.graphisme-echirolles.com/francais/depuis1990/archives/memoire/1994/MG94GEDEL1.html

Laura Yepes. The Sound Factory

2009-07-18T12:21:00.000-07:00

Ejemplos de tres carteles de los carteles realizados para la campaña de promoción.

Serie de postales promocionales (anverso).

Postal promocional (reverso).
Dos de los adhesivos propuestos como elementos promocionales.

Página web. Home.

Vivir de la música no es fácil como tampoco lo es encontrar las infrastructuras apropiadas para ensayar si uno no es una mega estrella. Laura Yepes lo sabe. Apasionada de la música contemporánea, su proyecto final de estudios surgió del contacto con diversos profesionales y amigos que se mueven en los entornos musicales. Hablando con ellos se dio cuenta de que las dificultades por las que atraviesan son muchas. Como dice en la memoria de su proyecto, no hay locales de ensayo en buenas condiciones, se prohíbe tocar en la calle, las salas de conciertos no facilitan demasiado las cosas pues la mayoría de las veces los músicos no cobran o se quedan tan sólo con una parte del precio de la entrada, se paga en “negro”, la promoción corre a cargo del propio músico y, resumiendo, existe un vacío legal.

Ante semejante panorama, y dentro del marco temático “Diseñar para cambiar”, Laura propuso la creación de un “Centro de cultura musical”, “un espacio donde los músicos pueden disfrutar de unos servicios para promocionarse”.

Después de una fase de análisis y de documentación sobre diversos centros culturales alternativos existentes en otros lugares del mundo, y teniendo en cuenta que se trata de un proyecto de diseño y no de gestión, Laura “inventó” cómo habría de ser y funcionar dicho espacio, lo instaló en Barcelona, creó su identidad y realizó una campaña de promoción del mismo compuesta por una serie de materiales gráficos cuya finalidad era generar curiosidad en los ciudadanos y darlo a conocer.

Abierto, pues, a todo el mundo, el público objetivo principal, sin embargo, eran músicos emergentes, es decir, “aquellos que se dedican al mundo musical y carecen de recursos básicos para poder promocionarse”.

Concebido como un lugar abierto a todos los estilos musicales, The Sound Factory refleja muy bien que: “hoy en día, asignar una tipología musical a un grupo en concreto, resulta muy difícil, es decir, la música se encuentra en un momento de fusión y experimentación”, en palabras de Laura.

Es a partir de esta idea, de dónde salen los conceptos para la realización de la gráfica.

Para el logotipo, Laura escoge una Helvetica Bold puesto que se trata de transmitir una imagen lo más neutra posible, con una buena legibilidad.

Como elementos promocionales se inclinó por los carteles, flyers y adhesivos, apoyados en una página web.

El punto de partida para diseñar los mismos fue asignar un color a cada estilo musical. Para ello llevó a cabo, previamente, una encuesta entre un público diverso de la que salieron los siguientes resultados:

- Cantautor: verde.

- Rock: rojo.

- Verde oscuro: jazz

- Naranja: rumba

- Azul cyan: electrónica.

- Negro: punk

- Amarillo: soul.

Una vez determinado el color para cada estilo, lo aplicó a una trama creada con elementos geométricos, en la que jugó con superposiciones. Cada trama se concibió con el criterio de representar cada estilo de música pero también con la intención de contribuir a neutralizarlo –siempre en relación con los otros estilos- pues de lo que se trataba era de transmitir la imagen de un espacio que admite todo tipo de músicas.

Tras numerosas pruebas, en las que debía conseguirse una imagen reconocible sin perder la idea de trama, creó una serie de carteles acompañados de los mencionados flyers y adhesivos.

Los flyers, en formato postal, están directamente relacionados con el cartel, gracias a la combinación de las tramas. En el reverso, contienen un mapa de localización y la dirección de la web.

Con el adhesivo se complementa el flyer e imitando a la publicidad de guerrilla, se coloca por toda la ciudad “para crear intriga”, una intriga que puede aclararse entrando en la página web indicada en la pegatina.

Dicha web es un elemento central del proyecto puesto que con ella se pretende “promocionar el centro y crear un punto de conexión entre éste y el músico”, dice la diseñadora.

Con un diseño sencillo pero sin perder la trama como elemento de base, la web contiene toda la información necesaria para conocer los servicios ofrecidos, la programación de eventos del centro, una “musicoteca” para que los músicos puedan promocionarse y una zona de usuarios.

Si alguien se anima a poner en marcha esta idea, en Laura tiene a la diseñadora más adecuada. Seguro, porque entusiasmo no le falta.

Graffitis de Mayo del 68

2009-07-18T10:08:00.000-07:00

Más bien la VIDA

Bajo los adoquines, la playa

Corre rápido, camarada, el viejo Mundo está detrás de ti.

Estoy leyendo un libro que os recomiendo: La estética de las barricadas. Mayo del 68 y la creación artística. Su autora es Patricia Badenes Salazar y está editado por la Universitat Jaume I. No lo prometo –porque me escasea el tiempo libre- pero más adelante trataré de hacer una reseña.

Lo cierto es que buscando en Internet la fotografía de una pintada que aparece en él, me he encontrado con una página web francesa que recoge graffitis de Mayo del 68. La dirección es http://inventin.lautre.net/graffiti.html

Allí podréis encontrar algunas de las imágenes que incluyo en esta entrada y frases como las siguientes:

No queremos un mundo donde la certeza de no morir de hambre se intercambia por el riesgo de morir de aburrimiento.

El derecho de vivir no se mendiga, se toma.

En una sociedad que ha abolido toda aventura, la única aventura que queda es la de abolir la sociedad.

En todo caso, ¡nada de remordimientos!

Vive en el presente.

En fin, ¡qué tiempos aquellos! Nostálgicos de la utopía, no dejéis de echarle un vistazo a la web mencionada. Además de los graffitis, hay videos e interesantes textos de Debord, Sanguinetti, Dauvé, Voyer y otros, en formato PDF.

De paso, os recuerdo que aquel Mayo del 68 nació de una crisis.

Tema de proyecto final de estudios 2008-2009

2009-07-18T04:07:00.001-07:00

Cada año, en la Escuela Elisava de Barcelona, los profesores del Proyecto Final de Estudios del área de diseño gráfico, proponemos un tema que ha de servir de marco para el trabajo de los alumnos.

Cada proyecto consta de dos fases. Una primera de investigación "para" el diseño y una segunda de realización del diseño. Ambas fases son imprescindibles e inseparables pues una refuerza a la otra. Así es, al menos, como lo entendemos Oriol Nicolàs, Rober Pallàs y yo. Para mi, por tanto, es una oportunidad magnífica para poner en práctica aquello que decía Kurt Lewin: "No hay nada más práctico que una buena teoría".

Nuestros alumnos han de realizar una memoria de investigación y una de proyecto que acompañan al desarrollo de todos los diseños.

Como ya he comentado, se parte de un tema que sirve de marco general y, a partir de ahí, el estudiante elige aquellos aspectos que le interesan más. Investiga en ellos con el objetivo de detectar una necesidad o un problema y desarrolla su proyecto de diseño que ha de responder a unos objetivos claros.

Nuestros alumnos tienen libertad para plantear sus proyectos, aunque eso sí, se les pide que estos estén bien fundamentados y sean viables.

El título de nuestra propuesta para el curso académico 2008-2009 fue "Diseñar para cambiar". La idea surgió a partir de la siguiente frase:

“Algo que sabemos muy bien sobre el presente es que el mundo está cambiando rápida y profundamente. Lo único cierto que conocemos sobre el futuro es que el cambio actual debe cambiar de dirección. Debe encontrar el camino a la sostenibilidad”.

Con este texto se iniciaba la convocatoria del Congreso “Changing the Change. Design Visions Proposals and Tools”. Celebrado en julio de 2008 en Turín, tenía como propósito hacer una contribución significativa para encontrar ese camino trazando un estado de la cuestión en términos de investigación sobre las visiones, propuestas y herramientas con las que el diseño puede tomar parte de una manera activa y positiva en un proceso de aprendizaje social amplio.

Quizá las aportaciones más interesantes de “Changing the Change” han sido la elaboración de una declaración de principios y la puesta en común de una serie de temas que surgieron durante las discusiones mantenidas por los asistentes.

Entre esos principios, se encuentran que la sostenibilidad debe ser la meta de cualquier posible actividad de investigación de diseño. Se entiende por sostenibilidad un cambio sistemático que ha de promoverse a escala local y global, que se consigue a través de un proceso de aprendizaje social más amplio, reorientando las transformaciones actuales insostenibles hacia una sociedad del conocimiento sostenible.

Asimismo, “Changing the Change” planteaba una serie de cuestiones, entre otras: ¿cómo producir cambios radicales en la vida cotidiana, orientándolos hacia estilos de vida sostenibles? ¿Cómo promover cualidades sostenibles, compartiendo el conocimiento a través de distancias geográficas, diferencias culturales y barreras disciplinarias? ¿Cómo promover modelos de producción y de consumo basados en un uso sostenible de los recursos sociales y físicos locales? ¿Cómo la artesanía, las producciones tradicionales y las tecnologías avanzadas pueden fusionarse y colaborar en la perspectiva de una economía de conocimiento sostenible? ¿Cómo los diseñadores pueden convertirse en agentes de sostenibilidad en una sociedad en la que cada vez más gente toma decisiones de diseño? ¿Cuáles son las herramientas conceptuales y prácticas en un mundo interconectado donde están emergiendo narrativas diferentes (por ejemplo, no occidentales)?

Muchas son las preguntas pero en el fondo de todas ellas subyace la conciencia de que vivimos en una sociedad dual, donde conviven la oportunidad con la miseria, el lujo con el bajo coste y la riqueza con la pobreza.

En ese sentido, hay que señalar que no son pocos los profesionales del diseño que han puesto en cuestión la idea de bienestar de los países industrializados: “Hoy sabemos que esta hipótesis, eso es, la relación directa entre bienestar y consumo, no siempre es verdadera. Sobre todo sabemos que la promesa de bienestar que se propone no es sostenible. No puede, en otras palabras, ser extendida por igual a todos los habitantes del planeta”, ha señalado Ezio Manzini.

Todas estas reflexiones también han llevado a poner en duda nuestros modos de consumir y a llamar la atención sobre la necesidad de que aparezcan nuevos modelos de desarrollo y nuevas ideas de bienestar, partiendo de la base de que éstas son producto de una construcción social y que se forman con el tiempo en relación con una serie de factores. Prácticamente hasta ahora, nuestro concepto de bienestar se ha basado en el producto, y eso ha originado un modelo que resulta absolutamente insostenible.

Como alternativa, lo que algunos sugieren es que debemos vivir mejor consumiendo menos. Y es ahí dónde el diseño se enfrenta a una situación difícil porque ¿cómo convencer a la gente de que puede vivir mejor consumiendo menos y regenerando la calidad de su hábitat?

Hay quienes proponen, como Manzini, que comencemos a mirar hacia las cualidades inmateriales de la cultura y al propio contexto de la vida cotidiana para encontrar otra idea de bienestar.

¿Cuál podría ser, entonces, el papel de los diseñadores? Sin duda se enfrentan a una tarea difícil: contribuir a un cambio en nuestros modelos de vida que sirva para mejorar el medio ambiente y, al mismo tiempo, para paliar el desfase que hoy en día existe entre las aspiraciones y expectativas vitales y los medios para satisfacerlas. ¿Y, quizá también, para calmar la impaciencia del capital y la competencia que nos están empujando a una era de ansiedad?

Pero, para conseguirlo, en primer lugar es necesario poner en marcha una serie de estrategias como, por ejemplo, cambiar el punto de vista de las personas y desplazar el centro del interés de las cosas hacia lo que se puede hacer con ellas.

Sostenibilidad, nuevos modelos de bienestar y cambio social, fueron algunos de los conceptos que propusimos para el Proyecto Final de Estudios del curso 2008-2009. Eran, desde luego, temas complejos pero, desde mi punto de vista y el de mis compañeros, muy estimulantes.

Otra vez de vuelta

2009-07-18T03:56:00.000-07:00

Increíble pero cierto. Retomo este blog, después de un larguísimo paréntesis provocado, como siempre, por el exceso de trabajo.

Durante estos días iré colocando entradas sobre los proyectos finales que, durante el curso académico 2008-2009, han llevado a cabo mis estudiantes de la Escuela Elisava de Barcelona.

Como siempre, los tutores hemos sido Oriol Nicolàs, Rober Pallàs y yo misma.

Hola de nuevo a todos.

Grapus

2009-01-17T16:32:00.001-08:00

Cartel, "Festival mundial del teatro", 1979.

Cartel, "El niño en la sociedad industrializada", 1976.

Serigrafía, "Lenin", 1977.

Cartel "Junio en la calle", 1977.

Aunque muchos diseñadores conocen qué fue el colectivo Grapus, como en la entrada anterior he colocado una cita de quien fuera uno sus miembros, me parece adecuado hacer aquí una pequeña referencia.
Fundado en 1970 por Pierre Bernard, Gérard Paris-Clavel y François Miehe, -todos ellos miembros del Partido Comunista Francés, formados en el Institut d’Environnement de Paris y a los que unos cinco o seis años más tarde se unirían Jean-Paul Bachollet, Alex Jordan y Marc Dumas-, surgió todavía al calor de los últimos rescoldos del Mayo del 68.
Y es que en aquel mes y en aquel año, París se había convertido en un escenario idealista donde la gráfica se contemplaba -como ya hicieran las vanguardias artísticas de principios del siglo XX- como un herramienta de intervención social altamente eficaz. Los estudiantes de la Escuela de Bellas Artes se unieron a la huelga general y ocuparon los estudios de diseño y las imprentas; organizados bajo la denominación de Atelier Populaire, y funcionando de manera asamblearia, produjeron carteles y periódicos murales de una enorme vitalidad.
De aquel clima revolucionario surgió Grapus. Con una metodología procedente en buena parte de la semiología tamizada por la influencia de la gráfica polaca, -cuyas enseñanzas habían recibido Bernard y Paris-Clavel directamente de Henryk Tomaszewski- sus imágenes, a veces agresivas y en ocasiones hasta repulsivas, con sus colores brillantes, sus garabatos infantiles y sus impredecibles mezclas de formas fueron una llamada de atención no sólo para sus compatriotas sino para un buen número de diseñadores inconformistas de todo el mundo que encontraron en ellos un camino a seguir.
Grapus, cuyo nombre procedía de un juego de palabras entre “graphics” -su profesión- y “crapules staliniennes”, -su manera crítica de aproximarse al comunismo en un momento en el que se estaba poniendo en duda la doctrina oficial- significaba una concepción del diseño plena de idealismo y compromiso. Aunque el trabajo se hacía de manera individual, respetando el estilo de cada uno, cualquier propuesta se firmaba de manera conjunta tras ser examinaba y discutida por todos los miembros del grupo; era la forma de poner en práctica unas ideas que suponían una nueva visión de la sociedad (enfocada desde la izquierda) y que se concretaban en un trabajo con vocación de servicio público, ligado al ámbito de la cultura -en sus líneas más progresistas- y al de la política -porque para ellos el desempleo o la educación eran, al fin y al cabo, cuestiones políticas- y lo más alejado posible de la publicidad que para el colectivo no era sino una herramienta del poder que constreñía la libertad creativa.
Durante unos veinte años -su disolución se producirá en enero de 1991, tras haber recibido el Gran Premio Nacional de Arte Gráfico de Francia- Grapus diseñó campañas sociopolíticas impactantes -como la de la “Union du peuple de France”-; creó la imagen corporativa del sindicato comunista CGT y desarrolló la línea de comunicación de un buen número de organizaciones de ayuda humanitaria, centros culturales -como La Maison de la Culture de Nanterre o la de Sant Etienne-, teatros -“La Salamandre”, el Theàtre du 8ème o el Petit Odeon- y museos -entre otros el de la Revolución Francesa-; agrupó a diseñadores reconocidos de todo el mundo para llevar a cabo proyectos en torno a una determinada causa como sucedió, por ejemplo, en 1989 cuando sesenta y seis profesionales fueron convocados para realizar una serie de carteles -que serían expuestos en la conmemoración del Bicentenario de la Revolución Francesa- con el tema de los derechos humanos; mostró su trabajo en más de cincuenta exposiciones y provocó, en su momento, una buena cantidad de literatura. No obstante, quizá por encima de todos estos logros esté que Grapus sirvió -y aún sirve- de modelo para quienes creen que el diseño tiene una función y una responsabilidad social.

Si queréis ver un estupendo archivo con imágenes de sus trabajos, podéis consultar: http://www.aubervilliers.fr/rubrique113.html

Todo es posible

2009-01-17T16:20:00.000-08:00

Hace algunos años, el diseñador francés Gérard Paris-Clavel (ex miembro de Grapus), publicó un texto titulado "Everything is possible", en el que llevaba a cabo una reflexión sobre la enseñanza del diseño gráfico y su contexto. Aquí os dejo una cita:
“La vida escolar es un tiempo privilegiado donde la exploración personal y el intercambio social pueden producirse abiertamente, en una libertad relativa de la presión de la necesidad económica y de la carrera para obtener contratos o poder simbólico, un tiempo para aprender apasionadamente los riesgos del fracaso, de cometer errores y de comenzar otra vez de nuevo”.

Carles Fontseré y Cesc

2009-01-14T15:09:00.000-08:00

Como no sé si entrais en los comentarios que la gente deja a las entradas, os pongo aquí un enlace que me envía Jordi, para conocer mejor el trabajo de Carles Fontseré: http://www.sbhac.net/Republica/Carteles/Fontsere/Fontsere.htm
Jordi también me manda uno sobre Cesc, un gran dibujante al que tampoco hay que olvidar: http://ca.wikipedia.org/wiki/Cesc_(dibuixant)
Gracias por la contribución, Jordi.

Lo k t stas prdiendo

2009-01-14T14:38:00.000-08:00

Cartel para opis y maquesinas.

Flyers.

El tema propuesto por Oriol Nicolás, Rober Pallas y por mi para el proyecto final de estudios del curso 2007/2008, en la Escuela Elisava, fue "Tecnocultura y sociedad de la información". En ese marco, Marina Deulofeu, tras realizar un riguroso trabajo de investigación, decidió llevar a cabo una campaña publicitaria con carácter social dedicada al tema de la adicción al teléfono móvil.

Aquí os dejo con la descripción de su proyecto:

"Los jóvenes (llamados Generación Y) han nacido y crecido con la evolución de las nuevas tecnologías, entre ellas el teléfono móvil. Esto ha llegado a causar una adicción en ellos, sin que ninguna institución le esté prestando la atención que requiere.
El proyecto consiste en una campaña de sensibilización (emitida hipotéticamente por la Fundación de Ayuda contra la Drogadicción) para reflexionar sobre la "moviladicción" de los jóvenes que han nacido y crecido rodeados de esas nuevas tecnologías.
El vídeo enviado como MMS a través del móvil es el medio principal de la campaña. Se desarrollaron tres clips que reflejaban, cada uno de ellos, una situación diferente en donde se puede encontrar un moviladicto y todo lo que se pierde de su entorno mientras está hablando por el móvil.
La campaña también consta de carteles, situados en oppis y marquesinas, con dispositivos Bluetooth que pueden emitir el vídeo directamente a los móviles situados a pocos metros del cartel; flyers y una página web con información sobre la campaña y la adicción."

Para ver los clips que forman parte de la campaña:
http://www.youtube.com/watch?v=l7tjEAkI1DY

http://www.youtube.com/watch?v=lcAas7OXkis
http://www.youtube.com/watch?v=ibWrH-DWL7M

Recordando a Carles Fontseré (1916-2007)

2009-01-10T10:44:00.000-08:00

Carles Fontseré, delante de las Torres Gemelas de Nueva York, en una foto realizada por su mujer, Terry Broch.

Tres ejemplos de la gráfica realizada por Carles Fontseré durante la Guerra Civil, en apoyo de la causa republicana.

El 5 de enero pasado se han cumplido dos años del fallecimiento de Carles Fontseré. Cuando sucedió, no tenía este blog y no tuve la oportunidad de rendirle el homenaje que me hubiera gustado.

Tuve la suerte de conocerlo a él y a su mujer Terry Broch en 1999 y fue entonces cuando surgió una estupenda relación que me llevó a visitarlos en diversas ocasiones, a hacer el breve discurso de entrega del galardón “IL·LUSTRAD’OR”, otorgado por APIC (Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña) –todavía lo recuerdo bailando con Terry en la cena-, a escribir un texto para un pequeño catálogo y a hacerle una entrevista, con Andreu Balius, que se publicó en la revista Grrr, creo que hace unos nueve años.

La última vez que estuve con ellos fue cuando se presentó el libro Carteles contra una guerra en el año 2003, en el FAD. Vino muy ilusionado desde Gerona para apoyarlo porque la situación le recordaba aquella movilización de conciencias de la que él mismo fue protagonista en 1936. Tenía ochenta y siete años pero os aseguro que era jovencísimo.

En fin, para quienes no sepan quien fue, aquí os dejo con un texto mío sobre su trayectoria profesional.

Nacido en 1916 en el seno de una familia barcelonesa tradicionalista, Carles Fontseré comienza su trayectoria profesional a la edad de quince años, dibujando para Reacción. Semanario de lucha política, una publicación del entorno carlista. Poco tiempo después, con tan solo diecisiete años, crea portadas de libros y realiza las primeras incursiones en el mundo de la publicidad, ejecutando anuncios y carteles cinematográficos.

En un proceso paralelo a su consolidación como “artista comercial”, y en parte por un suceso familiar, Fontseré sufre un cambio radical en sus ideas al descubrir la “arbitrariedad de la justicia, el drama de la pobreza” y la hipocresía moral de la sociedad bienpensante a la cual pertenece, en sus palabras.

La agudización de los conflictos sociales de aquel periodo coincidió con su experiencia personal de lucha por la supervivencia como trabajador del arte, lo que le condujo a aproximarse a las ideas del anarquismo libertario.

Al estallar la Guerra Civil, decide desde el primer momento apoyar a la causa republicana y combatir con las armas que mejor maneja: el lápiz y los pinceles. Entiende, como otros artistas de la vanguardia internacional, que el artista debe comprometerse con la sociedad.

Esta manera de concebir la práctica artística marcará el resto de su vida y le llevará a buscar siempre aquellas formas visuales que, desde su punto de vista, puedan conectar mejor con el público. Por ello, se inclinará hacia la figuración, concebida como un territorio abierto que puede ser fácilmente comprendido por cualquiera que desee acercarse a él.

Su obra fue, por tanto, el resultado de una interacción con el lector-espectador, donde la estética se hallará siempre subordinada al mensaje transmitido y su papel será el de contribuir de manera significativa a la comprensión de éste. Su trabajo, por tanto, fue de una sola pieza; no siguió corrientes, ni nunca se preocupó por las modas.

Precisamente, en julio de 1936 ese compromiso social en el que firmemente creía, le llevó a formar parte del Comité Revolucionario del Sindicato de Dibujantes Profesionales dentro del que organizó el Taller Colectivo de Propaganda.

Allí optó por una de las formas más directas de intervención pública: el cartelismo. Suyos fueron algunos de los mejores carteles de aquel convulso periodo –entre ellos el que primero que apareció en las calles de Barcelona y de España-, todos ellos llenos de una fuerza que nos muestran a un Fontseré expresivo y vital, capaz de transmitir la resolución necesaria para luchar por aquello en lo que se cree.

Incorporado en 1937 como combatiente a las Brigadas Internacionales, una vez disueltas, fue dibujante del Estado Mayor de la D.C.A. (Defensa Contra Aeronaves) y, más tarde, del Comisariado de Propaganda de la Generalitat.

El fin de la contienda supuso un largo exilio del que regresó a Cataluña en 1973, pero también fue el inicio de su trayectoria internacional que comienza en Francia, no sin dureza, pues primero estuvo internado en el campo de refugiados –en realidad un campo de concentración- de Argelés y, más tarde, en el de Saint Cyprien. Producto de esa dolorosa etapa fueron sus dramáticas litografías de refugiados.

La huída de Saint Cyprien le condujo a París, donde pronto se las ingenió para conseguir trabajo. Ilustró en El Poble Català (Semanario de los Catalanes en Francia) y dio los primeros pasos de su carrera como dibujante de cómics, trabajando para un semanario infantil.En aquellos momentos, Fontseré demostró que había alcanzado una gran habilidad en el dibujo, al introducir en Europa un tipo de ilustración poco corriente, a base de líneas trazadas a pincel que, hasta entonces, parecía haber sido privativa de los dibujantes americanos.

Junto a Antoni Clavé, durante la ocupación alemana de Francia, colabora con el semanario de arte y literatura La Gerbe. En ese periodo, diseña también carteles.

El año 1945, final de la Segunda Guerra Mundial, abre una nueva etapa para Fontseré: la de escenógrafo y figurinista de obras tan significativas como La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca, Nuestra Natacha de Alejandro Casona y Peribáñez de Lope de Vega.

El éxito alcanzado en estos territorios le lleva a embarcarse en una gran aventura: la creación en 1948, junto al músico Roberto Vicente y con Mario Moreno (Cantinflas) como productor, de un grandioso espectáculo, la revista “Bonjour México!” que, creada en París, se representará, como su título sugiere, en México.

La riqueza del vestuario y el despliegue de medios en unos escenarios excepcionales por su suntuosidad y belleza, conseguirán emocionar al público mexicano.

La década de 1950 significa un nuevo cambio en su discurrir vital y profesional. Conoce a Terry Broch en Nueva York; tras diversas vicisitudes se casa con ella en París y se instala, finalmente, en la ciudad de los rascacielos, donde permanecerá hasta 1973, momento en que ambos se establecen en España.

En un mundo donde es un completo desconocido sale adelante, nuevamente, gracias a su destreza como dibujante de cómics y como ilustrador de publicidad. Allí fue director de arte de una revista de temática hispana, escenógrafo y diseñador de vestuario y decorados. En ese periodo conoció a Salvador Dalí, con quien colaboró en la creación de su Happening en el Philarmonic Hall del Lincoln Center.

Fue en Nueva York donde, también, inició una brillante carrera como fotógrafo, a la que se entregó con pasión. Para él la fotografía era una forma de compromiso y la practicó siempre como documento social.

En 1973, como ya he comentado, regresó a Cataluña y se instaló en Porqueres, un pueblecito cercano al lago de Banyoles. A partir de ese momento, expuso parte de su inmensa producción fotográfica, dibujó, diseñó carteles culturales, pintó pero, sobre todo, se dedicó a escribir. Primero, lo hizo para diarios y revistas como La Vanguardia, Avui, Serra d’Or y la Revista de Girona. Luego elaboró textos para catálogos de exposiciones y, desde entonces y hasta su muerte, escribió sus memorias, con un enorme rigor. Su casa estaba llena de libros, recortes de periódicos y revistas y todo documento que le permitiera cotejar sus recuerdos con lo que sucedió pues siempre trató de ser lo más objetivo posible.

Una pequeña parte de su obra fotográfica se expuso pocos días antes de su muerte en el Espacio Cultural de Caja Madrid, en Barcelona. Como testimonio de aquella muestra nos ha quedado el estupendo catálogo Nueva York 1626-1990. Un relato gráfico de Carles Fontseré.

Fontseré fue dibujante, cartelista, ilustrador, diseñador, escenógrafo, figurinista, pintor y un gran escritor pero para mi fue, sobre todo, un ser humano excepcional.

Entre sus textos -todos ellos estupendos tanto desde el punto de vista literario como de contenidos-, Fontseré nos dejó los siguientes:

- Memories de un cartelliste català (1994).

- Un exiliat de tercera (1999). La traducción al castellano (Un exiliado de tercera), es de 2004.

- Paris, Mèxic i Nova York (2004).

No quiero cerrar esta entrada sin enviarle un abrazo a Terry, su amiga y compañera. Fueron inseparables y aún me acuerdo de una conferencia en el Colegio Universitario de Segovia, a la que los invité, cuando Carles, siempre travieso a sus más de ochenta años, decía alguna que otra cosa inconveniente y ella le reñía suavemente, por desviarse del tema, con un “Carles, ¡qué cosas dices!”. Cuídate mucho, Terry.

Si queréis ampliar información sobre él, además de sus libros, podéis consultar:

http://torroella.cup.cat/index.php?option=com_content&task=view&id=18&Itemid=39

http://www.espacioalternativo.org/node/1866

Marina Deulofeu

2009-01-10T06:52:00.000-08:00

Tipografía experimental realizada en la asignatura de Introducción al Proyecto Final del profesor Rober Pallas (Elisava).

Chile, the other 11th. Cartel cuyo objetivo era comparar el 11 de Septiembre de 1973 con el reciente 11 de septiembre. Trabajo realizado para las clases del profesor François Caspar (TaiK - University of Arts and Design Helsinki).

Catálogo para el Museo Etnológico de Barcelona, sobre "El Arte del África Negra". Trabajo realizado en la asignatura de la profesora Marina Vilageliu (Elisava).

Menú para el restaurante L'Ombú de Barcelona.

Todavía no ha cumplido los 23 años pero Marina Deulofeu destaca por su sensatez, la claridad de sus ideas y la madurez de su proceso de trabajo. Hace apenas unos meses que finalizó sus estudios en Elisava y ahora se encuentra en Gales, trabajando en prácticas para Mark Kendrick, del estudio de animación Frozen Moon Productions Ltd. y buscando empleo para cuando finalice la beca Leonardo que la ha conducido hasta allí.

Mientras estudiaba, hizo prácticas, también, en el estudio de Ramon Úbeda y Pepa Reverter, en el de Enric Jardí y en Gráfica. Una trayectoria que no está nada mal para empezar.

Marina ha trabajado, además, como voluntaria en un grupo de ayuda a la integración de inmigrantes. Es, por tanto, un ejemplo de persona comprometida con el mundo en el que vive.

Inquieta y con muchísimas ganas de aprender, me cuenta que, como otros jóvenes, se matriculó en Diseño sin saber muy bien donde se metía y aconsejada por un profesor de bachillerato. Creo que habría que decirle a ese profesor que acertó de pleno y yo, particularmente, se lo agradezco porque ha sido una estudiante excelente.

Y como acabo de hacerle una entrevista para este blog y aquí os dejo con sus respuestas:

¿Cuáles son los retos para una joven diseñadora como tú?

Ahora mismo, mis retos son conseguir trabajar como diseñadora, si es posible en un estudio al que lleguen trabajos interesantes, y seguir aprendiendo ya que me he dado cuenta de que esto es solo el principio y queda muchísimo por aprender.

¿Qué es para ti el diseño?

Para mi el diseño es una herramienta para llegar a conseguir lo que uno se proponga, y un diseñador es quien tiene la capacidad y habilidad de observar y entender su entorno y buscar una buena solución para mejorarlo.

Estudiar diseño me ha hecho, por un lado, cuestionar todo cuanto está a mi alrededor, no sólo visualmente sino también la forma en que interactuamos con él; y además ha hecho crecer en mí las ganas de tener más conocimientos y habilidades en otros campos relacionados con el diseño como la fotografía, el cine, el motion graphics…, para así poder aportar algo a este mundo visual en el que estamos viviendo.

¿Qué diseñadores te interesan y a quiénes admiras?

Si te soy sincera, no he sido nunca una persona de nombres, mi memoria es mas bien fotográfica, así que retengo muchas imágenes pero pocos nombres. Pero si tengo algunos en la cabeza es porque realmente me han chocado y me han hecho pensar, que es cuando realmente creo que el diseño llega a su cumbre.

Las imágenes impactantes de Tibor Kalman, los carteles reivindicativos de Barbara Kruger y los videoclips de Chris Cunningham. Admiro mucho el trabajo de Michelle Gondry, por su creatividad y sorprendentes resultados con los mínimos recursos. Me interesan todos aquellos diseñadores, artistas, músicos, cineastas, fotógrafos que se entregan en sus trabajos, creando proyectos interesantes y con sentido.

Prácticamente acabas de dejar la Escuela, ¿echas de menos algo de la vida de estudiante?

Echo de menos el ambiente que se crea entre los compañeros, que es dónde más aprendes. También echo de menos tener tiempo para poder pensar en los proyectos y dedicarles el cuidado que se merecen.

¿Qué te ha aportado tu paso por la Escuela? ¿Qué has aprendido y qué te hubiera gustado aprender?

Ahora me doy cuenta de que he salido con una buena base porque me veo capaz de enfrentarme a muchos tipos de proyectos diferentes con los mínimos medios, y también valoro mucho la parte conceptual que me ha aportado la Escuela. Antes de empezar, pensar y repensar para darle a todo siempre un sentido y coherencia.

Pero, por otro lado, me he quedado con ganas de conocer la parte más tradicional del diseño, cómo es una imprenta, cómo es hacer serigrafía. En fin, me gustaría volver a las raíces y poder experimentar con ellas.

Actualmente estás en Inglaterra, con una beca y haciendo prácticas en un estudio de animación, ¿puedes hablarnos de tu experiencia?

Pocos días antes de entregar el proyecto final tuve la suerte de recibir la llamada esperada, me tocó la beca Leonardo para ir a trabajar al extranjero. Yo escogí Inglaterra para poder aprovechar la experiencia y mejorar el inglés. La empresa dónde me han enviado es un pequeño estudio en Gales de un chico freelancer que hace animaciones y vídeos para empresas y televisiones locales. Estoy ganando experiencia en programas de vídeo, animación, creando personajes, animándolos e ingeniándomelas para echar adelante los proyectos con los mínimos recursos.

Tu proyecto final de estudios tuvo un marcado carácter social, ¿crees que el diseño puede cambiar el mundo?

Yo diría, más bien, que el mundo lo podemos cambiar entre todos y que el diseño tiene su papel.

El diseño tiene la gran ventaja que puede hacer llegar una idea a cientos y miles de personas, puede solucionar problemas a gran escala, por eso sí que considero el diseño una herramienta social, que si la utilizáramos con este propósito iría cambiando poco a poco el mundo.

Bueno, pues aquí os dejo con su web: www.marinadeulofeu.com

Entorno da Baskerville. Algunos trabajos

2009-01-09T15:56:00.000-08:00

Natalia Crecente

Segundo Fernández

Uqui Permuy

Xosé María Torné

Álvaro Valiño

La diseñadora gallega Uqui Permuy me ha enviado las imágenes que estáis viendo. Pertenecen a la muestra Entorno da Baskerville que, como ya comenté en otra entrada, puede verse en el CGAG (Centro Gallego de Arte Contemporáneo) hasta el día 1 de marzo.

Desde luego, la cosa tiene buena pinta. Si alguno se pasa por allí y es un poco asiduo a este blog, por favor, que nos cuente algo, que los que estamos en la periferia barcelonesa y madrileña, no nos enteramos de nada...

F.H.K. Henrion (1914-1990)

2009-01-03T04:04:00.001-08:00

Portada de la revista Harper's Bazaar, 1943.

Cartel, 1943.

Portada de la revista Future no. 2, 1948

Doble página interior de la revista Future no. 2, 1948.

Ilustración "Changing of the guard", 1956.

Cartel Stop Nuclear Suicide, c. 1963.

Hacía tiempo que quería publicar una entrada sobre F.H.K. Henrion, un diseñador que destacó en su tiempo por su compromiso con el diseño y con aquellas causas en las que creyó. Así que aquí va.

Nacido en Nuremberg (Alemania) en 1914, entre 1933 a 1934 estudió diseño textil en París con Fred Levin. Un año más tarde, comenzó su formación como cartelista y diseñador gráfico en el taller de Paul Colin. Allí conoció el trabajo de A.M. Cassandre y tomó contacto con las ideas del arte moderno y, en especial, con el surrealismo.
En 1935 ganó el primer premio del Salon de l’Electricité. Entre 1936 y 1939 abrió diversos estudios en París y Londres y diseñó carteles, packaging y exposiciones.

Su trabajo se mostró en la Exposición Universal de París de 1937 y en la Feria Mundial de Nueva York de 1939.
Cuando estalló la II Guerra Mundial abandonó Francia, para trasladarse a Gran Bretaña -adoptó la nacionalidad británica en 1946- y trabajó como asesor para el Ministerio de Información y la Oficina Americana de Guerra en Londres. Asimismo, realizó carteles de propaganda bélica en los que puede percibirse la influencia del surrealismo y destaca su dominio del fotomontaje.
Henrion trabajó también para agencias de publicidad y editoriales. Fue director de arte de las revistas Contact y Futura y diseñó cubiertas para Harper’s Bazaar. En 1951 abrió la consultoría de diseño Henrion Design Associates. En los años sesenta fue asesor de la British Transport Commission, de Olivetti y de otras empresas, pues uno de los terrenos en los que destacó fue el de la identidad corporativa. Entre sus clientes hay que mencionar a KLM Royal Dutch Airlines, Penguin Books, Shell, London Transport, Coopers & Lybrand, Audi, Cunard Shipping, Oxfam y C&A.

A lo largo de su vida recibió numerosos premios, fue presidente de la AGI y de Icograda, profesor del Royal College of Art de Londres (1955-65) y del London College of Printing (1976-79).
Henrion siempre creyó en la importancia del mensaje pero, también, en la necesidad de cuidar la estética en cualquier trabajo de diseño. Fue un diseñador comprometido y trabajó (la mayoría de las veces como voluntario) en causas con las que se sintió identificado.
Para ver algunos de sus trabajos podéis consultar:
http://www.rennart.co.uk/henrion.html y http://flickr.com/photos/83759236@N00/503204920

A lo largo de su vida escribió varios libros, entre los que hay que mencionar The Image of a Company: Manual for Corporate Identity, Phaidon Press, 1990. (Todavía se pueden encontrar ejemplares en Amazon, a un buen precio).

En el año 2004, la Universidad de Plymouth le dedicó una exposición y en 1989, Mike Hope publicó: FHK Henrion: Five Decades a Designer, Flaxman Productions. (Hoy prácticamente imposible de conseguir excepto en alguna biblioteca americana).

En torno da Baskerville

2009-01-02T14:55:00.000-08:00

Cartel de Pancho Lapeña.

Uqui Permuy me ha enviado hoy la convocatoria de esta exposición que se celebrará en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC) del 8 de enero al 1 de marzo de 2009.
Os traduzco el texto que me ha mandado Uqui, gallego (espero que mi traducción sea decente):
“En torno da Baskerville es un proyecto de la Asociación Gallega de Diseñadores (DAG).
Partimos de la idea de transformar un elemento icónico, como es un libro, en una obra diferente, un libro objeto, en otro libro o en un objeto en el que no quede rastro de su identidad original. En cualquier caso, la intervención supone la diferenciación y la personalización de una obra seriada o impresa, la creación de un diseño original no comercial a partir de un objeto de manufactura industrial.
Invertimos el proceso de creación: si normalmente creamos una maqueta para la producción, en este caso partimos de un objeto ya producido industrialmente para la creación de un original.
El libro escogido es A imprenta en Galicia. Século XIX, un catálogo o inventario de la producción impresa en ese siglo editado en dos volúmenes por la Xunta de Galicia en el año 2002, en la colección Bibliofilia de Galicia.
Escogemos este por ser una publicación austera y por su fuerza como representación icónica: un libro clásico encuadernado en pastas duras y maquetado con Baskerville, una tipografía diseñada en el siglo XVIII por John Baskerville, criticada durante mucho tiempo porque ‘cegaba a los lectores por sus trazos finos y estrechos’ pero posteriormente muy empleada, precisamente por su elegancia y claridad, en biblias y edición de clásicos literarios.
Se escogió precisamente el nombre de la tipografía, una opción no tomada por los diseñadores que participan en este proyecto pero central en el diseño del libro, para dar título a la exposición.
Los diseñadores gráficos e industriales que participan en este proyecto son: Lía Santana, X. María Torné, Pepe Barro, Xosé Salgado, Uqui Permui, Daniel Bembibre, Antón Lezcano, Álvaro Valiño, Pancho Lapeña, Gisela Ahumada, J. Ramón Méndez, Javier Perez, Jon Solozabal, Alberto Montiel, María Pereiró, María del Rosario Domínguez, Natalia Crecente, Óscar Canal, Óscar Otero, Segundo Fernández e Rafa Caccamo.

Más información en: http://www.cgac.org/

Suerte con la exposición.

Entrevista a Pedro Inoue

2009-01-01T11:50:00.000-08:00

Mandala "7 Sisters", 2007.

Detalle de la mandala "7 Sisters", 2007.

Mandala "Long Live Terror", 2007.

Detalle de la mandala "Long Live Terror", 2007.

Hace algunos meses escribí un breve texto en este blog sobre el diseñador brasileño Pedro Inoue. A finales de septiembre le hice una entrevista que publicó ahora. Es un poco larga pero espero que os guste.

¿Dónde estudiaste?
Realicé mis estudios en la Universidad de Mackenzie en Sao Paulo, a finales de los años noventa. Las facultades de diseño de Brasil en esa época estaban bastante anticuadas y dirigidas al mercado de trabajo, con un contenido muy comercial. Yo discutía mucho con todos los profesores e incluso regañé con algunos. Tenía que trabajar para pagarme la carrera y después de dos años y medio dejé la Facultad pues me sentía desilusionado y estaba aprendiendo mucho más con la práctica. Tuve dos profesores que eran buenos artistas plásticos.

Brasil es ahora un país muy atractivo para los amantes del diseño, ¿por qué trabajas en Londres?
En realidad volví a Brasil al final del año pasado. He vivido siete años fuera, trabajando para Jonathan Barnbrook, Marcus Allion & Elle Kawano en Barnbrook Design en Londres. Mi aprendizaje en diseño se construyó por completo en esos años en Londres. Aprendí también muchas cosas que quedan fuera del diseño y considero que mucho más interesantes que este. Aprendí a colaborar con las personas en lugar de trabajar para las personas, a hacer aquello en lo que creo y a tratar de luchar por lo que mi corazón me dice todos los días, haciendo de eso una filosofía en lugar de un objetivo.
Volver a Brasil ahora ha sido un desafío muy grande. Tengo que readaptarme y volver a aprender una serie de hechos de mi país. Volver a entender la política absurda y corrupta, la falta de límites, el exceso de pobreza y riqueza, la gigantesca desigualdad social, la falta de conciencia por el acumulo de dinero, la explotación de los bienes naturales y de los seres humanos, etcétera. Pero, al mismo tiempo, me fascinan las raíces de los árboles gigantes tomando las calzadas de las calles, la cantidad de luz o el contraste de todo, los insectos y moscas tomando los rincones por todos los lados, la trepadora de mi jardín que, después de dos semanas, sin percibirla entró por mi ventana y ya amenaza a mi ordenador.

¿Podrías contarnos algo sobre tu colaboración con Jonathan Barnbrook?
Veo nuestra historia, la mía y de Jonathan, como algo muy especial. Al comienzo del año 2001 fui a Fabrica, en Treviso (Italia) para una estancia. Quedé muy decepcionado con el lugar y decidí probar otra opción. Llamé a Jonathan porque lo conocí en Brasil en 1998, cuando fue a dar una conferencia a Sao Paulo. Fue muy amble y me abrió las puertas de su estudio para una prueba de dos semanas. Recuerdo que cuando llegué, llevaba conmigo el libro No logo de Naomi Klein, que acababa de leer. Lo que parecía ser un interés común por la política del diseño, el consumismo, los manifiestos anti-capitalistas, se transformó en una colaboración personal muy intensa al final del primer año, cuando cayeron las torres gemelas.
Hice un estudio visual sobre el 11 de septiembre y lo dibujé. A Jonathan le gustó mucho lo que vio y comenzamos a trabajar juntos, pasando y repasando el trabajo para llegar a un resultado único. A partir de ahí, colaboramos e hicimos exposiciones en Seúl, Tokio, Londres, París y Estados Unidos, siempre con el tema político o con trabajos personales criticando la guerra de Afganistán, la invasión ilegal de Irak o la guerra del terror contra el terror.

¿Qué significa la palabra utopía para ti?

Utopía es el imposible que busco siempre, por todos los rincones, en todas mis anotaciones, en mis papeles y listas interminables. El otro día estaba haciendo una lista de cosas para cocinar y coloqué, en medio del tomate y la pasta, la palabra utopía. De repente, ¿la encontramos en los supermercados?
Otro día, tomé un libro de Eduardo Galeano, pues tenía la certeza de que había leído algo sobre esa palabra. Sin querer, lo abrí en una página que decía: “Hace pocos siglos, se decía “recordar” para significar despertar y la palabra se usa todavía en ese sentido en algunas regiones de América Latina. La memoria despierta es contradictoria, como nosotros. Nunca está quieta y, como nosotros, va cambiando. No nace para ser ancla. Tiene, antes, una vocación de catapulta. Quiere ser un punto de partida, no de llegada...”

¿Cuál es, para ti, el compromiso social del diseñador gráfico?
Creo que el papel de un diseñador gráfico contemporáneo es completamente diferente al de un diseñador que se formó diez o veinte años atrás. El mundo ha cambiado mucho y no es posible seguir impulsando valores que no se aplican a la realidad actual.
Cuando Jonathan Barnbrook hizo sus primeros trabajos contra la guerra en 1992, eran una novedad (en aquella época) emplear el diseño gráfico para cuestionar problemas mayores. Tibor Kalman, Adbusters y otros marcaron aquella época como un reinicio moderno de la protesta visual, del uso de la comunicación visual para hablar de problemas que realmente importan al mundo.
Hoy en día, llevar a cabo protestas visuales ya forma parte de los curricula escolares. Adbusters se discute en la clase; todo esto ya ha entrado a formar parte de un diseñador. Creo que hacer un cartel sobre Darfur ya no es suficiente. Ahora, el papel de un diseñador va mucho más lejos de un simple poster. Y debemos, -utilizando las puertas abiertas por generaciones pasadas-, criticar y discutir en nuestra profesión y en el mundo problemático y caótico actual. Hacer dinero no es suficiente. El “hacer” dinero acaba volviéndose nuestra única disculpa para no cuestionarnos nuestra conducta como profesionales y ciudadanos, dejando de asumir nuestra responsabilidad en la creación del mundo en que vivimos.

¿Es posible introducir valores éticos en el mundo comercial?
Detrás de todo siempre hay un interés, y partiendo de este punto de vista, es casi imposible que el comercio, el capitalismo, tengan un lado humano. Todas las iniciativas que comenzaron siendo pequeñas, con valores honestos y justos, acaban siendo asumidas por el sistema capitalista, se corrompen y se convierten en una pieza de una gran maquinaria. Tengo todas las razones y ejemplos del mundo para no creer en una salida dentro del sistema. Sin embargo, a pesar de lo que acabo de comentar, tengo que decir que soy un optimista. Creo que en la creación, en la vida... y pienso que habrá alternativas para construir futuros diferentes, ya sea readaptándolos o recreándolos.

¿Podrías contarnos algo sobre tus “brand mandalas”?
Mis mandalas son una respuesta visual al capitalismo y su manera de manipular a través de las imágenes. Mi madre siempre fue seguidora del Budismo tibetano, y crecí rodeado de imágenes tibetanas, de armonía existencial, de nirvana, de iluminación. Esas imágenes siempre hablarán conmigo en un tono sagrado, en un camino de mi trabajo personal. Saboteé esas imágenes, las miné con intereses personales, creando una mentira visual que atrae al espectador. Cuando percibe lo que está mirando, cuando se acerca a la obra, ya es demasiado tarde, ya ha sido conquistado.
Son pequeños infiernos adornados, que cuestionan el poder de la belleza sencilla, de la superficie, y pretenden socavar al capitalismo no por destrucción sino por acumulación.

¿Qué es remembertibet.org?
Para quienes no lo saben, “Remember Tibet” es una iniciativa mía y de Jonathan Branbrook, para cuestionar la ocupación del Tibet por China y dar voz y apoyo a la resistencia pacífica, una de las pocas que quedan actualmente.
Esa iniciativa fue una continuación de nuestras colaboraciones políticas, después de que marché para Brasil. Lo hicimos todo por e-mail y chat y tengo que confesar que fue extraño pero interesante. La idea fue lanzar un movimiento durante los Juegos Olímpicos de Beijing y ahora queremos enfocar el tema a más largo plazo, tal vez implicando a las escuelas, mediante workshops, pero esto no está todavía definido.

Los trabajos no comerciales de Pedro Inoue pueden verse en: http://www.terror-mon-amour.com/

Manuela Ballester, ilustradora y diseñadora

2008-12-31T09:52:00.001-08:00

Portada de la revista Estudios, años 1930.

Figurín, 1929

El año se acaba pero, ahora que faltan pocas horas para su fin, no quiero dejar pasar el centenario del nacimiento de Manuela Ballester, una artista y diseñadora gráfica injustamente olvidada.

Manuela nació en Vilaseca (Valencia) el 17 de noviembre de 1908 y falleció en Berlín el 7 de noviembre de 1994.

Artista de la vanguardia de los años 1930 y activista del bando republicano durante la Guerra Civil, fue una de las escasas mujeres que estudiaron en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos –se matriculó en 1922 con tan solo catorce años-, ya que procedía de una familia de artistas y tenía habilidad para el dibujo y la pintura. Su padre, Antonio Ballester Aparicio y su hermano Tonico fueron escultores. Este último se formó con ella en San Carlos.

En la Escuela conoce a Josep Renau –con quien contrajo matrimonio en 1932- y entra en contacto con otros artistas de la vanguardia valenciana. Con ellos participará en reuniones artístico-literarias enfocadas hacia la renovación del arte.

Durante los años 1930, colabora con diversas revistas y se convierte en una reconocida ilustradora. Dibuja figurines de moda para Crónica y Hogar y Moda e ilustra y hace fotomontajes para publicaciones de izquierda como Estudios, Orto y Nueva Cultura. Colabora, también, con la editorial Cenit y se encarga de las portadas de la colección Nostra Novela, además de realizar carteles. En 1936 realiza uno de los primeros dirigidos a las mujeres para animarlas al voto a favor del Frente Popular. Un año más tarde, colabora con Renau en la organización del Pabellón Español en la Exposición Internacional de París.

Finalizada la Guerra Civil marcha al exilio con su marido y sus hijos, primero a Francia y, después, a México, donde permaneció hasta 1959. Allí realiza murales y carteles de cine, junto a Renau, con quien trabajó en el taller estudio que fue la principal fuente de ingresos de la familia.

A partir de 1959 se instala en el Berlín Este, siguiendo a Renau. Allí trabaja para editoriales alemanas, realiza fotomontajes y dibujos para la Agencia general de Noticias Alemanas y dirige y colabora en una revista de moda.

Su relación con Josep Renau fue siempre difícil y, finalmente, acabó en separación.

Poco interesada en ser famosa, en las escasas entrevistas que le hicieron a lo largo de su vida, siempre habló más de su marido que de si misma. Por otra parte, la dedicación a sus cinco hijos restó tiempo a su desarrollo profesional. Todo esto es, sin duda, causa del escaso reconocimiento que, hasta el momento, ha conseguido su obra.

Si queréis conocer algunos detalles sobre la vida y el contexto de Manuela Ballester podéis consultar un artículo de Cristina Núñez Díaz en: http://debatabat.cat/web/read_article.php?article_ID=149&cat_ID=4

Recientemente (17 de noviembre), la asociación valenciana DonesenArt presentó el documental Manuela Ballester, el llanto airado, dirigido por la cineasta valenciana Giovanna Ribes, en colaboración con Concha Ros y Silvia Macip.

Trabajo útil o esfuerzo inútil (William Morris, III)

2008-12-31T07:28:00.000-08:00

Tarjeta de miembro de la Federación Democrática, diseñada por William Morris.

Prometo que esta es la última cita que coloco en el blog (por lo menos por hoy) de Morris, pero ya que estamos, no quería dejar de ponerla:

"... ha llegado a convertirse en un artículo de fe para la moralidad moderna el hecho de que todo trabajo es, en sí mismo, bueno, creencia muy oportuna para los que viven del trabajo de los demás. Pero a aquellos que trabajan para otros les recomiendo no fiarse y estudiar la cuestión con un poco más de detenimiento."

(Trabajo útil o esfuerzo inútil, conferencia pronunciada en el Club Liberal de Hampstead en 1884. Publicada por primera vez como folleto de la Liga Socialista, 1885).

¿Cómo vivimos, pues, bajo el sistema actual? (William Morris, II)

2008-12-31T07:06:00.000-08:00

William Morris con los miembros de la Liga Socialista de Hammersmith. (Morris es el quinto de la segunda fila, empezando por la derecha).

Bueno, como he visto que os gustaba el texto de Morris que he colocado en la entrada anterior, aquí viene otro fragmento. El título es una pregunta que Morris plantea en Cómo vivimos y cómo podríamos vivir. Como veréis, salvo las referencias a la máquina de vapor, el resto de lo que dice resulta bastante actual.

Hay momentos en los que no hay nada como leer a los clásicos...

“Mientras tanto, pasemos de esa competencia entre las naciones a la competencia entre los ‘organizadores del trabajo’: grandes firmas, sociedades anónimas capitalistas en suma, y veamos cómo la competencia ‘estimula la producción’ entre ellos: porque está claro que la estimula, pero, ¿qué clase de producción? Bien, la producción de algo que puede ser vendido con beneficio o, mejor, la producción de beneficios. Y observar cómo es estimulada por al guerra comercial: cierto mercado solicita ciertos productos: hay, por ejemplo, un centenar de industriales que fabrican esa clase de productos y cada uno de ellos querría, si pudiese, tener ese mercad para él solo y lucha desesperadamente para conseguir lo máximo posible, con el resultado evidente de que las cosas se salen de madre, el mercado queda saturado y toda esa fiebre de producción viene a sofocarse en rescoldos fríos.

¿No se asemeja esto a una guerra? ¿Es que no veis el desperdicio que implica? ¿Desperdicio de trabajo, de pericia, de destreza, de vida misma en suma? Quizá replicaseis: sí, pero abarata los productos. Y en cierto sentido es verdad, pero sólo en apariencia, puesto que los salarios de un trabajador corriente tienden a hundirse en la misma proporción que los precios. ¡Y a qué precio logramos esa apariencia de baratura! Hablando llanamente, al precio de estafar al consumidor y matar de hambre al verdadero productor en beneficio del tahúr, que utiliza tanto al consumidor como al productor como si fueran sus vacas lecheras. No necesito insistir en el asunto de la adulteración, pues cada uno sabe el papel que desempeña en esa clase de comercio; pero recordad que es un factor absolutamente necesario para la obtención de beneficios a partir de los productos, que es al ocupación de los denominados industriales, y deben comprender esto: que, tomado así, a bulto, el consumidor se halla totalmente indefenso frente al tahúr: los productos le son encajados por su baratura y, junto con ellos, un cierto estilo de vida que esta baratura enérgica y agresiva determina. Y tan largo alcance tiene esta maldición de la guerra comercial que ningún país está libre de azote. Tradiciones de milenios se derrumban ante ella en menos de un mes; invade un país débil o semisalvaje y todo cuanto allí existe que se idílico, placentero o artístico es pisoteado y hundido en un lodazal de sordidez y fealdad; el artesano javanés o hindú no puede ya ejercer su oficio tranquilamente, trabaja unas pocas horas al día y creando un laberinto de éxotica belleza en una tela: en Manchester se ha instalado una máquina de vapor y esta victoria sobre la naturaleza y sobre mil tercas dificultades es utilizada para el mezquino trabajo de producir una serie de estuco, de mala porcelana, con lo que el obrero asiático, si no muere de hambre, como tan a menudo sucede, se ve arrojado a una fábrica para rebajar aún más el salario de su hermano, el obrero de Manchester, y nada de su antigua personalidad se mantiene, a no ser posiblemente una acumulación de aborrecimiento y miedo hacia su mayor mal, su amo inglés. El isleño de los mares del Sur tiene que abandonar la talla de sus canoas, su dulce descanso y sus graciosas danzas para convertirse en el esclavo de un esclavo: pantalones, lana barata, misioneros y enfermedades mortales. Tiene que tragarse toda esa civilización en bloque y ni él ni nosotros podemos ayudarle hasta que el orden social haya reemplazado a la monstruosa tiranía de la especulación que lo ha arruinado.”

(Cómo vivimos y cómo podríamos vivir, fue una conferencia que Morris impartió en 1884 ante la Asociación de la Federación Democrática de Hammersmith. La publicó en 1887).

De paso, os dejo un enlace en el que podréis encontrar una biografía de Morris y sus textos (lamentablemente, sólo están en inglés): http://www.marxists.org/archive/morris/works/chrono.htm

William Morris. Cómo vivimos y cómo podríamos vivir

2008-12-31T02:34:00.000-08:00

Releyendo un libro de William Morris, he encontrado el siguiente texto que, a pesar de que tiene más de 100 años, no me parece tan anticuado… (por desgracia).

“Y de nuevo la palabra arte me lleva a plantearme mi última exigencia, y es que el ambiente material que nos rodee sea agradable, generoso y bello; sé que es una exigencia ambiciosa, pero les diré que, si no puede ser satisfecha, si toda comunidad civilizada no puede proporcionar ese ambiente a todos sus miembros, no quiero que el mundo prosiga; la existencia del hombre habrá sido mera miseria. No creo que, bajo las actuales circunstancias, sea posible hablar con demasiada vehemencia sobre este asunto. Pero estoy seguro de que llegará el día en que la gente encuentre difícil de creer que una comunidad rica como la nuestra y con tal dominio sobre la naturaleza exterior, haya podido someterse a una vida tan mezquina, andrajosa y sucia como la nuestra.

Y, de una vez por todas, no hay nada en nuestras circunstancias, salvo la persecución del beneficio, que nos arrastre a ello. Es el beneficio el que amontona a los hombres en enormes e imposibles aglomeraciones llamadas ciudades, por ejemplo; es el beneficio el que allí los hacina en barrios cerrados, sin jardines ni espacios abiertos; es el beneficio el que no toma la más mínima precaución contra la inmersión de distritos enteros en nubes de humos sulfurosos, que transforman hermosos ríos en inmundas cloacas; el que condena a vivir a todos, salvo a los ricos, apretujados en viviendas estúpidamente reducidas en el mejor de los casos, porque en el peor, no hay ni siquiera palabras para designar tal ruindad.

Me parece casi increíble que podamos soportar tan crasa estupidez; pero sé que no lo haríamos si pudiéramos remediarlo. No la soportaremos cuando los obreros se quiten de la cabeza que son un mero apéndice del proceso de creación de beneficios, que cuanto más beneficios se obtengan, mayores empleos y salarios más altos tendrán y que, por lo tanto, toda la inmundicia increíble, el desorden y la degradación de la civilización moderna son signos de su prosperidad; lejos de ello, son los signos de su esclavitud. Cuando hayan dejado de ser esclavos exigirán, como lo más natural del mundo, que cada hombre y que cada familia sea alojada con holgura; que cada niño pueda jugar en un jardín cercano a la casa de sus padres; que las casas, por su evidente decencia y orden, puedan ser ornamentos de la naturaleza y no desfiguraciones de ella, porque es casi seguro que la decencia y el orden mencionados, cuando lleguen a ser habituales, llevarán con casi toda certeza a la belleza en la construcción. Todo esto supondría, por supuesto, que las gentes –es decir, la sociedad en su conjunto- debidamente organizadas, en posesión plena de los medios de producción, no como propiedad individual, sino empleados por todos según lo exija la ocasión; y no sólo en esos términos es posible; en cualesquiera otros la gente será arrastrada a acumular riquezas privadas para sí misma, y la consecuencia será una vez más el derroche de los bienes de la comunidad y la perpetuación de la división de clases, lo que significa guerra y despilfarro continuos.” (William Morris. Cómo vivimos y cómo podríamos vivir. Conferencia publicada en 1887).

Paco Fernández. Analógico y digital

2008-12-30T14:16:00.000-08:00

Interiores del libro-objeto, presentado en el proyecto final de estudios.

He de decir que respeto y quiero a mis alumnos y que me gusta, especialmente, trabajar con ellos en sus proyectos finales porque es el momento de unir teoría con práctica. Siempre me ha parecido que era una buena oportunidad para demostrar aquello que decía Kurt Lewin: “No hay nada más práctico que una buena teoría”. Es verdad, también, que con algunos proyectos me siento más feliz que con otros y que con algunos alumnos la relación es más fluida que con otros. Este es el caso de Paco Fernández, un alumno que a día de hoy es ya un profesional. Inteligente y trabajador, creo que diseña con una gran sensibilidad, a veces difícil de encontrar en la práctica habitual del diseño.

Su proyecto final, -tutorizado además de por mí por Rober Pallás y por Oriol Nicolas en la Escola Elisava-, es un excelente libro-objeto, lleno de poesía.

Quería haber hecho un pequeño artículo sobre él pero me parecen mucho más interesantes las respuestas que dio a mis preguntas, en una entrevista que le hice en septiembre pasado, que hacer paráfrasis de ellas, así que aquí va esa entrevista, tal cual.

Feliz año, Paco y mucha suerte.

¿Por qué decidiste estudiar diseño?

Lo de estudiar diseño fue una cosa casual, desde muy pequeño quería ser farmacéutico, y al terminar COU, entré en la Facultad de Farmacia de Granada, donde estuve 3 años estudiando la carrera, una profesión que aún me gusta. Por causas personales decidí cambiar de estudios y por casualidad decidí estudiar diseño. Lo intenté en la Escuela de Arte de Murcia pero no me admitieron, debido a mi poca experiencia en el tema, pero otra vez por casualidad me admitieron en la escuela de Arte de Orihuela, donde pasé tres años estudiando un ciclo formativo de grado superior de gráfica publicitaria, allí y gracias a un gran profesor Ricardo Gómez, empecé a amar el diseño. Todo sea dicho, siempre he tenido amor al arte en general y a la pintura, la cual practicaba desde mi infancia. De allí y tras algunos problemas pasé a estudiar en Elisava.

Has estado en Alemania con una beca Erasmus, ¿qué diferencias

encuentras entre la formación del diseño en Alemania y en España?

La formación de un país depende de su historia en el campo al que nos refiramos. Alemania es una gran potencia del diseño, la comunicación, la música, la literatura y la eficiencia, cualidad muy protagonista del diseño. Alemania aunque no lo creamos es una nación muy destacada en Europa, en España por el contrario tenemos otros valores que nos hacen diferentes. El diseño aunque presente, no ha sido, me parece, hasta ahora, una parte importante de nuestro modo de vida.

¿Qué es para ti el diseño?

Para mi el diseño es vida y no vida. Para mi el diseño es hacer mejor la vida al otro, más agradable, cuidar las maneras, los detalles y el buen hacer. Pero desde un punto de vista vital el diseño puede no ser nada, es decir sólo parte del mundo que creamos encima de nuestra naturaleza, o bien ser todo, nuestra manera de hacer mejor el mundo, que no elegimos así, y que sólo disfrutaremos un rato.

¿A qué área te gustaría dedicarte? Y qué proyectos de futuro tienes.

Me gustaría dedicarme a tantas cosas que sería innumerable, pero dentro del diseño me gustaría crear objetos que hagan la vida más agradable. O bien objetos gráficos o bien objetos de cualquier medida física o espiritual. Creo que me gusta el diseño como arma de hacer y proyectar, lo de menos es qué hacer, lo de más solucionar problemas haciendo. Mi futuro es incierto pero me gustaría tener mi propia empresa y poder enseñar y divulgar el diseño a través del mundo, puestos a soñar. Como dice mi padre, soy muy soñador.

¿A qué diseñadores admiras?

A los que tienen ideas e ideales, y son capaces de dejar algo escrito para el futuro, un ejemplo que admiro mucho es a Otl Aicher, por su lucha.

Sé que te gusta leer poesía. ¿Diseño y poesía tienen algo que ver?

Es un dilema que tengo, la poesía puede aplicarse a cualquier cosa, al diseño tal vez, pero la duda es ¿hace falta la poesía en el diseño? Mi abuelo era poeta, mi padre también, y a mí me apasiona la poesía. Para lo que sí es útil la poesía es para adquirir sensibilidad en las palabras y precisión con ellas, eso me parece imprescindible para cualquier diseñador. El lenguaje es el diseño y viceversa. La poesía te hace libre.

Has hecho un proyecto de diseño para el que previamente has tenido

que realizar una investigación teórica y has leído a

Otl Aicher. ¿Cuál crees que es el papel de la teoría y la

investigación en el diseño?

Yo no concibo la no investigación en el diseño, la investigación puede ser clave para el mundo que queremos hacer. La investigación nos hace ser más atrevidos y ser mejores profesionales, la investigación y la historia son nuestras raíces para diseñar el mundo. Para mi ha sido muy grato y muy costoso investigar, pero ahora sé más de Otl Aicher y lo entiendo mejor, a él y a su trabajo. Era un hombre admirable, y sólo leyendo sus libros uno puede entender qué quiso hacer con su vida y los que le rodeaban.

Háblanos de tu proyecto final

El objetivo personal de mi proyecto era entender la figura de Otl Aicher, sus teorías y su trabajo, y todo eso a través de su libro Analógico y digital. Y a partir de aquí decidí entender la diferencia de estos dos términos y hacer un libro con una interpretación propia más sencilla, para que otras personas entendiesen el mundo en el que viven desde un punto de vista filosófico. Y además decidí trabajar con las manos todo el proyecto, sin utilizar el ordenador. El proyecto al final era un compendio de expresiones y decisiones propias, donde yo intentaba entender el mundo en que vivo, ya que para mi toda expresión física y de los sentidos es la única forma que conozco de percibir las cosas y las personas. Desde esta no comprensión propia de las herramientas digitales, he intentado participar en la creación con las manos de algo que no es arte sino diseño.

Aunque aún lo tiene en construcción, creo que en breve podréis echarle un vistazo a su blog: http://prosagrafic.blogspot.com

Y más felicitaciones navideñas

2008-12-30T09:24:00.000-08:00

Christma-film de M&CSaatchi

E-card del Design Council

Dos links más de tema navideño, uno es una peliculita realizada por M&CSaatchi http://www.mcsaatchi.com/christmas/video/video.html y otro, la felicitación de Navidad del Design Council de Londres: http://www.designcouncil.info/xmas08/ que aprovecha la ocasión para concienciar sobre el despilfarro energético de estas fiestas.

Para amantes de la Navidad

2008-12-30T07:54:00.000-08:00

Christmas Card Making Machine de Wieden + Kennedy

Making off. Felicitación de Jordiboix40gurus

Espacio interactivo Wishing Well en Covent Garden (Londres).

Aunque los días han pasado volando y parece que estas “entrañables” fiestas se acaban, todavía estáis a tiempo de enviar una felicitación a vuestras amistades. Para los que estén demasiado ocupados y no dispongan de un minuto libre para diseñarla, la agencia londinense Wieden + Kennedy ofrece su máquina de hacer christmas, que os facilitará muchísimo el trabajo: http://www.christmascardmakingmachine.com/Desde luego, el pavo no tiene precio...

De paso, aprovecho para añadiros el link que me ha mandado Oriol Nicolás de Jordiboix40gurus con la irreverente felicitación del estudio http://vimeo.com/2563026

Y si alguno tiene previsto visitar Londres en estas fechas puede aprovechar para acercarse a Wishing Well, un espacio interactivo diseñado por la agencia Freestate, en Convent Garden. El público puede expresar sus deseos (navideños o no) haciendo una llamada desde su teléfono móvil y el sistema SpinVox convierte, automáticamente, sus palabras en un texto que puede verse en las paredes, en tiempo real. Si visitáis la web: http://www.spinvoxwishingwell.com/ encontraréis algunos de esos deseos.

Iconographic no. 2

2008-12-30T06:16:00.000-08:00

Acaba de llegarme el número 2 de la revista Iconographic, un proyecto nacido con mucha ilusión y esfuerzo en Valencia, coordinado y dirigido por Rubén Arnal, Ainoa Fernández y Elena Veguillas, con diseño de Ricardo Peña.

Titulado "Ciudad y tipografía", ha contado con artículos de Inma Vera, Eric Olivares, Dimas García, Inmaculada Esteban y Enrique Encabo. Hay, además, dos interesantes entrevistas a Max Vogel y Populardelujo y las colaboraciones gráficas de Andreu Balius, Martin Allais, Tactelgraphics, Aaron Feliu Bensai, Francisco Giner Calero, Vasava, Laura Cermeño, Roberto Alonso, Verdemalaquita, Amparo Berenguer, Santiago Usano Martínez y los alumnos de tipografía del Master CEU08.

Mucha suerte con este segundo número y larga vida a Iconographic.

Para más información o comprar números: http://iconographicmagazine.org/blog/

Chaz Maviyane-Davies y Gaza

2008-12-29T08:11:00.000-08:00

Chaz Maviyane-Davies me envía esta imagen, una reflexión sobre los últimos acontecimientos de Gaza.

De vuelta

2008-12-23T15:45:00.001-08:00

Tres meses desbordada de trabajo, me han impedido poner al día este blog. Prometo volver enseguidita.

Eric Olivares, ubicuo y multidisciplinar

2008-09-12T15:54:00.000-07:00

Eric Olivares.

Diversos carteles, 1999-2008.

Me cuenta Eric Olivares que expondrá sus carteles en la Décima Bienal del Cartel en México (27 de octubre al 1 de noviembre en Xalapa), uno de los eventos de referencia en este campo de la gráfica. Así que aprovecho la ocasión para colocar una entrada sobre su trabajo.
Eric es un diseñador difícil de clasificar pues hoy actúa con los recursos de un viejo cartelista y mañana se aplica en su tarea de “alquimista cibernético”, como lo ha denominado Joan Costa.
A veces diseñador gráfico, a veces artista, a veces instalador, performer o cartelista; imposible de clasificar por multiforme y ubicuo, si algo se puede decir de Eric es que es un hombre multidisciplinar y, en ese sentido, muy de su tiempo. Ya lo era en su época de estudiante cuando, todavía en México y comenzando a caminar por los territorios de la creación, formó parte del grupo INS-ART (siglas de Inseminación Artificial / arte acciones) y se inició en la ocupación de mezclar arte y diseño.
Inquieto, curioso, en todo momento quería saber cómo respondía la gente ante sus propuestas: “Como grafista siempre tenía que esperar a ver alguna reacción con mis carteles (por ejemplo: si lo pintarrajeaban, o lo arrancaban de la pared, o se lo robaban y lo tenían de decoración en su casa) para saber si había servido de algo o si había habido una reacción por parte del público que estaba viendo ese planteamiento”, ha comentado en una entrevista. Pero, impaciente como un niño, no le gusta esperar. De ahí sus incursiones en el mundo de la performance, un medio que permite conocer la reacción del público de manera directa e inmediata.
Perdido así el miedo a traspasar los límites entre el estatismo del papel y la vivísima actividad de la performance, Olivares decidió dar un paso más y entrar en el año 1994 en los mundos multimedia, a través del Centro Multimedia de México, una consecuencia evidente de su modo de entender arte y diseño: “Inicialmente, aplico proyectos de investigación a proyectos artísticos y, luego, busco de qué manera vincularlos al diseño o teniendo una utilidad didáctica o social, depende de cómo se quiera plantear”, dice Eric.
Sin ningún tipo de atadura creativa y con un pie dentro de la tecnología más avanzada pero, al mismo tiempo, con otro en las herramientas más sencillas y tradicionales, Eric habla perfectamente tanto el lenguaje del cartel como el de la instalación electrónico-digital más sofisticada.
Amante, observador y practicante, de disciplinas diversas, atraviesa constantemente sus fronteras pero, además, cruza con entusiasmo –aunque con el debido respeto- las líneas invisibles -aunque evidentes- que existen entre las distintas culturas. De este modo y sin dejar jamás a un lado su origen mexicano, ha sabido empaparse perfectamente de los diferentes imaginarios de aquellos lugares por los que ha pasado a lo largo de su vida. Asentado actualmente en Barcelona, su trabajo refleja esa capacidad de asimilación porque, en su opinión: “Hay que generar nuevos códigos y adaptarse al entorno, ser versátil y proponer planteamientos de análisis comunicativo, estructural, conceptual y formal sofisticados ya que como se plantean las directrices del diseño actual así lo exige. Formalmente suelo combinar mis códigos culturales a nivel cromático con los códigos que adopto en el lugar donde estoy”. Y es que para él, el diseño es ahora más que nunca una experiencia “glocal”.

Para conocer mejor el trabajo de Eric: http://www.ericolivares.com/

Frédérique Daubal. Más allá del diseño gráfico

2008-09-11T13:56:00.000-07:00

Lovers Dress.

Fotograma del anuncio para el lanzamiento del perfume de Women Secrets. En colaboración con la agencia Villar-rosas.

Instalación "Green Rainbow Kid at Playtime". Feria internacional dedicada al mundo infantil.
7900 Crystal Prism para Nokia.

Pieza de mailing para Vicari, light designer.

Camiseta.

Frédérique Daubal tiene la capacidad de traspasar los límites entre los diversos campos del diseño con una enorme naturalidad, simplemente porque, como ella misma dice, no hace objetos concretos sino piezas, “una palabra abstracta” que le gusta usar para indicar que “no se queda en un producto específico” y que el medio puede cambiar en función de lo que quiere expresar.Diseñadora gráfica e ilustradora, sus indagaciones en busca de una mayor interacción con la gente, la han conducido hasta los territorios de la moda. Y es que no le bastaba con las dos dimensiones del papel pues quería hacer algo que pudiera utilizarse y adquirir vida con el uso. Así que comenzó a trabajar con tejidos y a diseñar ropa. Eso sí, en sus propuestas siempre está presente el mundo de la gráfica: “Pienso que el diseño gráfico influye a veces en mi manera de trabajar, vuelvo y trabajo una idea, un sketch, tomo una fotografía, la descargo en el ordenador, trabajo en ella, hago cosas a mano, etc.” Sin embargo, comenta que no está muy interesada en las tendencias, ni en el sistema en el que se desenvuelve la moda aunque sí se define como curiosa y entusiasta de la creatividad de algunos diseñadores que son capaces de innovar la ropa y otros productos que consiguen dar la vuelta a nuestros hábitos cotidianos.
De espíritu inquieto, estudió literatura, arte y diseño gráfico, este último en Francia y en Montreal. Durante varios años ha vivido en Holanda y ahora está instalada en París. Entre sus clientes se encuentran Nike, Paul Smith, Nokia –empresa para la que ha “ilustrado” el modelo 7900 Crystal Prism-, Colette y un largo etcétera de glamurosas empresas.Aquí tenéis su web: http://www.daubal.com/

John Pasche y la lengua de los Rolling Stone

2008-09-09T15:29:00.000-07:00

Original del "logo" de los Rolling Stones, diseñado por John Pasche en 1971.

Primer cartel de John Pasche para los Rolling, 1970.

La semana pasada un buen número de diarios se hicieron eco de la adquisición por el Victoria & Albert Museum de Londres del original de uno de los iconos más reproducidos de la historia del rock: los labios y la lengua de los Rolling Stones. Atribuido durante un tiempo a Andy Warhol, en realidad fue diseñado por el británico John Pasche, en aquel momento, un recién graduado por el Royal College of Art de Londres.
Pero la relación con los Rolling había empezado cuando todavía era un estudiante. En 1970, Mick Jagger llamó por teléfono a la Escuela y pidió que le enviaran un alumno aventajado para diseñar el cartel de su próxima gira. A la cita acudió Pasche, recibió el encargo y el resultado fue un pastiche con fuertes ecos del Déco de los años 1930. Ese fue el comienzo de una relación laboral que se prolongó hasta 1974.
Tras esa primera colaboración, en 1971, Jagger volvió a ponerse en contacto con él. La banda estaba poniendo en marcha su propio sello y necesitaba un logotipo. Según el diseñador, el briefing no era muy preciso: los gustos de Jagger y poco más. Sin embargo, le fue suficiente para dar con la idea: los labios y la lengua eran, desde luego, una referencia directa al vocalista pero, también, un símbolo de la imagen irreverente que, todavía por aquel entonces, tenía el grupo. El “logo” bebía del Pop y era simple y directo, quizá por ello ha resistido tan bien el paso del tiempo.
La primera aplicación fue la cubierta del álbum Sticky Fingers, realizada con una fotografía de Andy Warhol. Pasche le pasó el “logo” a Warhol y de ahí la atribución al artista.
Paralelamente a su colaboración con los Rolling, Pasche trabajó en la agencia Benton & Bowles. A partir de 1978 se convirtió en director de arte de la división musical de United Artists y, más tarde, en 1981 y hasta 1991 fue director creativo de Chrysalis Records.
Premiado en numerosas ocasiones, la huella de Pasche está en los discos de David Bowie, Jimi Hendrix, Judas Priest, The Who o The Stranglers, entre otros muchos.
Para ver sus trabajos: http://www.johnpasche.com/flash6.html

Flowritura y “Textura de realidad”. El proyecto final de Oriol Ribas

2008-09-08T15:10:00.000-07:00

Primeras ideas, primeros bocetos.

Portada y doble página de la primera entrega de Flowritura.

Cabecera de la primera entrega del fanzine.

Cabecera de la segunda entrega.

Ilustraciones de las páginas interiores del primer número de Flowritura.

Oriol caligrafiando el automóvil. "Textura de realidad" en proceso.

Detalle de "Textura de realidad".

Doble página del segundo número de Flowritura, en el que se presenta la intervención "Textura de realidad".

Bajo el título de “Flowritura y Textura de realidad”, Oriol Ribas nos presentó el pasado 2 de septiembre su proyecto final de estudios. El tribunal contó, además de con los tutores (Oriol Nicolás, Rober Pallás y yo misma) con la presencia de Lorena Martí (Contrapunto) y de Álvaro Fuster (Estudia).
En Elisava, cada año, los profesores-tutores de proyecto final proponemos un tema que ha de servir como referencia y punto de partida a las propuestas de los alumnos.
Para el curso 2007/2008, el de nuestro equipo fue “Tecnocultura y sociedad de la información”, un título genérico para una temática amplísima cuyo objetivo era permitir a los alumnos moverse con libertad, pero también con ciertos límites, en un proyecto que ha de servirles para demostrar cuánto han aprendido pero, también, para continuar aprendiendo.
Oriol Ribas ama la escritura. De ahí que, desde el principio, buscó la manera de conciliar sus intereses con nuestra proposición. Así que se decidió a emprender una investigación sobre la relación entre escritura y evolución tecnológica: “El mundo está constituido por un conjunto de datos. Sin saberlos interpretar, sólo podemos ver la superficie, sin entenderla.
Todos los seres tienen una historia, un mecanismo de funcionamiento, unas relaciones con el contexto en el que se encuentran… Y es, a través de los distintos sistemas de escritura que el hombre los interpreta, los entiende y es capaz de progresar”, señalaba Oriol como conclusión de su memoria de investigación.
Las reflexiones surgidas en el proceso de búsqueda se concretaron en un proyecto que quería servir de metáfora: un coche caligrafiado con datos que hablan de su historia. Tecnología, pues, y escritura.
La intervención, convenientemente fotografiada, fue el material de base para el desarrollo de un fanzine centrado en la caligrafía como tema genérico.
El proyecto, por tanto, consta de dos partes bien diferenciadas pero vinculadas entre sí:
- la intervención sobre el automóvil, titulada “Textura de realidad”
- el fanzine Flowritura sobre la escritura como arte y la caligrafía.

El objetivo de este último es, dice Oriol, mostrar proyectos relacionados con la caligrafía en un intento de paliar el vacío existente en España de plataformas y publicaciones dedicadas a esta materia.
El fanzine actúa, por tanto, como elemento expositor de trabajos caligráficos pero es, sobre todo, una reivindicación de la vigencia de la letra trazada a mano en nuestra era digital.

Respecto a los recursos gráficos del proyecto, hay que señalar que para la realización de la cabecera del fanzine, Oriol creó unas letras inspiradas en la cruz celta de los manuscritos medievales. Elemento permanente, se somete, sin embargo, a sutiles intervenciones en cada número que la enriquecen y proporcionan vitalidad.

El primer número del fanzine mezcla caligrafía con ilustración mientras que el segundo sirve de medio para mostrar “Textura de realidad”.
Poesía y frescura son para mi dos palabras que definen un proyecto lleno de pasión por la letra y de belleza.
Si queréis saber más sobre "Flowritura y Textura de realidad", os recuerdo la dirección de su blog: http://oriribas.blogspot.com/

Hecho a mano

2008-09-06T08:19:00.000-07:00

Ilustraciones tipográficas de Chris Piascik (http://chrispiascik.com/).

Ilustraciones de Gemma Correll (http://www.gemmacorrell.com/

Het Frollein (Diana Köhne) (http://www.hej-frollein.de/).

Si os interesa la letra hecha a mano, encontraréis más de 1.500 imágenes, bajo el título de "Hand Drawn Type" en http://www.flickr.com/groups/hand_drawn_type/pool/

La mayoría de ellas no vienen acompañadas de explicaciones pero son trabajos de buenos ilustradores como los que véis aquí arriba y resultan inspiradoras.

Homenaje a Enric Crous-Vidal. III Congreso de Tipografía, Valencia 2008. (Segunda parte)

2008-09-06T05:26:00.000-07:00

Miquel Bielsa.

Iván Bravo.

Manuel Estradera (Strader).

Sandra Figuerola.

Sebastián García Garrido.

Dimas García Moreno.

Sergio Jiménez.

Rober Pallás.

Pep Patau.

José Ramón Penela.

José Rafael Rodríguez Moro.

Iris Tárraga e Ibrán Trassierra

Álvaro Torrents.

Hace algunos días prometí que colocaría más imágenes de las piezas tipográficas que se expusieron en el III Congreso de Tipografía de Valencia –y podrán volverse a ver en Lérida a finales de este año- como homenaje a Enric Crous-Vidal por el centenario de su nacimiento.
Aquí os dejo con algunas de esas piezas -faltan todavía más de la mitad de las que se mostraron-, no sin añadir unas palabras de Crous pronunciadas en el año 1950:
“Sensibilidad vibrante y comunicativa. Imaginación en la expresión. Firme, ligero y… fluido. El diseño interpreta el sentimiento.
No importa si es clásico o moderno; las modas pasan… y las personalidades quedan, incluso siendo anónimas. La gráfica rupestre así lo demuestra.”

Diseño consciente

2008-09-05T07:05:00.000-07:00

John Thackara

Las entradas referidas a Un Mundo Feliz y a Pati Núñez, han dado lugar a algunos comentarios interesantes en torno a la cuestión del compromiso social del diseñador.
Los que me conocen saben que este es uno de mis temas preferidos y no quiero dejar pasar la ocasión sin hacer referencia a lo que John Thackara denomina “diseño consciente”, un modo de diseñar apoyado en la idea de que la ética y la responsabilidad pueden informar las decisiones de diseño sin constreñir la innovación social y el desarrollo tecnológico que necesitamos llevar a cabo.
Thackara dice que ese “diseño consciente” supone la determinación de:
- Pensar en las consecuencias de las acciones de diseño antes de ponerlas en marcha prestando especial atención a los sistemas naturales, industriales y culturales que se encuentran en el contexto donde dichas acciones tienen lugar.
- Tomar en consideración qué material y energía está presente en los sistemas que diseñamos.
- Dar prioridad a la entidad humana y no tratar a la gente como un simple “factor” dentro de algo mayor.
- Proporcionar valor a las personas y no personas al sistema (como en la mayoría de los casos hace el marketing actual).
- Tratar el “contenido” como algo que hacemos, no como algo que vendemos.
- Tratar el lugar, el tiempo y la diferencia cultural como valores positivos, no como obstáculos.
- Centrarse en los servicios y n o en las cosas y abstenerse de inundar el mundo con artefactos carentes de sentido.
Este autor considera, además, que muchas de las situaciones problemáticas que se plantean en nuestro mundo actual son el resultado de malas decisiones de diseño.

Pati Núñez. Coherencia ética

2008-09-04T07:55:00.000-07:00

Packaging "Fuensanta", 2008.

Identidad y packaging "Cacao Sampaka", 2000-2007.

Packaging "Armand Basi", 2000-2007.

Packaging "Magrit" (zapatos), 2004.

Bolsa "Vinçon", 1996.

Un comentario que hacía Miriam al post que dediqué a “Un mundo feliz”, me dio pie para hablar del compromiso de los diseñadores y de cómo también puede demostrarse en el trabajo más cotidiano. Y ya que ayer Pati Núñez recogió su flamante premio, me gustaría citarla como un buen ejemplo de esto.

Pati trabaja para el mundo empresarial pero tiene muy claras las ideas. En una entrevista –cuyo enlace coloqué junto al comentario sobre el premio- le preguntaban qué haría con la imagen del PP y ella respondía: “Para comenzar, no puedo trabajar para alguien en quien no creo, por tanto les diría que no puedo trabajar para ellos. Soy muy estricta con mis creencias éticas, políticas y religiosas. No quiero ayudarles a que tenga una buena imagen y no tengo ningún inconveniente en decirlo”.
En relación con otra pregunta de esa misma entrevista, la diseñadora comentaba: “Tampoco acepto clientes que provoquen mucha contaminación. Una vez me quisieron encargar un azúcar muy elitista, con mucho plástico, y me negué. Todos hemos de ser un poco más racionales y no podemos hacer que la gente tire el dinero y contamine el mundo, aunque eso quiere decir renunciar a cosas”.
Pati nació en Figueras en 1959. Estudió diseño gráfico en la Escuela Eina de Barcelona donde se graduó en 1978, para convertirse inmediatamente, y a los diecinueve años, en profesora de dicha institución educativa.
Durante el primer lustro de la década de 1980 trabajó, en periodos alternos, para Taula de Disseny -por aquel entonces uno de los mejores estudios españoles- pero en 1985 abrió su propio estudio, desde el que ha realizado trabajos para clientes de la categoría de Vinçon, la Fundación Miró o Armand Basi.
A lo largo de su trayectoria profesional ha recibido numerosos premios Laus y, en el año 2006, fue galardonada por la Generalitat de Catalunya.
Para ella el diseño es comunicación, como señaló en una entrevista publicada en El Periódico (13/12/2007): “La de un producto y la del mundo de emociones que lo rodea”, mientras añadía que los diseños que consiguen ser “un gol de mercado” son los que llegan a las emociones de mucha gente.
Aunque pocos deben ser los que no conozcan a esta diseñadora, aquí está la dirección de su web, donde puede verse su espléndido trabajo: http://www.patinunez.com/

La mujer en las agencias de publicidad

2008-09-03T16:02:00.000-07:00

Justo el día que leo que Pati Núñez recoge su Premio Nacional –y yo toda feliz- voy y me encuentro, buscando no sé qué cosa en la Red, un estudio de la Universidad de Alicante sobre el trabajo en las agencias de publicidad desde un enfoque de género.
Publicado en abril de este año, dirigido por la doctora Marta Martín y firmado por las investigadoras Alejandra Hernández y Marina Meléndez, está lleno de datos sumamente reveladores. Por ejemplo, nos dice que un hombre tiene doce veces más posibilidades de ser directivo en una agencia que una mujer. Ahora bien, las autoras también afirman que en España: “La publicidad es un sector crecientemente feminizado.
Tal y como sucedía en otros países, y como se había previsto desde el origen de este trabajo, el de la comunicación comercial es un ámbito feminizado. El porcentaje de mujeres (56,7) es superior ya al de los hombres (43,3) pero, además, éste va disminuyendo significativamente a medida que aumenta la edad mientras que, en el caso de los hombres, la tendencia es a la inversa. […] A la luz de la distribución por sexos del alumnado en las titulaciones de publicidad (70 por ciento mujeres), se prevé que esta tendencia a la “feminización” del sector se vaya acrecentando.”
El estudio señala, además, que la sobrecarga de trabajo y la falta de tiempo para la vida privada es la principal fuente de estrés, seguida en el caso de las mujeres por la escasez de reconocimiento a su trabajo.
Una de las conclusiones es que en las agencias españolas hay “una estructura jerárquica polarizada (muy pocos directivos y muchos mandos intermedios y empleados) y con ciertos “sesgos de género”. El sexo es el factor de riesgo más relevante para alcanzar la dirección (techo de cristal) y un factor de riesgo relativo para permanecer en los puestos de menor nivel”.

Pero el informe no sólo habla de las mujeres sino, también, de las condiciones de trabajo del sector en general y aporta algunas recomendaciones que, seguramente, más de un directivo de agencia debería tener en cuenta.

Mientras lo hace o no, lo mejor es leerlo: http://www.aeap.es/publicaciones/docs/LaMujerSectorPublicitario.pdf

al menos para pensar que no se es único en el mundo y que los colegas de las otras agencias, también tienen estrés. Ya se sabe, mal de muchos...

El ¡por fin! de Pati Núñez

2008-09-03T14:30:00.000-07:00

Pati Núñez en su estudio. Foto de Gabriel Massana, publicada en Vilaweb.

Pati Núñez recogió ayer el Premio Nacional de Diseño. Cuenta El País en su edición de hoy que la diseñadora proclamó ¡Por fin! y que lo hizo en nombre de las mujeres diseñadoras. Comenta, también, este diario que “hizo coral y vindicativo el primer Premio Nacional de Diseño que se otorga a una creadora”.Han tenido que pasar veinte años desde la creación de este galardón -se puso en marcha en 1987- para que, efectivamente, ¡por fin! se le conceda a una mujer. Y es que, además de Pati, hay muchas mujeres que diseñan en España desde hace tiempo.
Pero a mi lo que me gustaría resaltar es que ha recibido ese reconocimiento no por ser mujer sino por la enorme calidad de su trabajo. Así consta en el acta del jurado: “por su impecable trayectoria, por la elegancia formal de sus proyectos, audacia y generosidad, que provocan lecturas visuales cargadas de sensualidad y poesía”.
¡Enhorabuena, Pati! Ya era hora porque eres una magnífica profesional y te lo mereces.
Aquí os dejo un video del momento en que la diseñadora recoge el premio: http://www.adn.es/cultura/20080902/VID-0038-Nacionales-Principes-Premios-Diseno-entregan.html
Y el enlace de la entrevista de Vilaweb, a la que pertenece la foto de arriba: http://www.vilaweb.cat/www/elpunt/entrevistes/index.html?p_idcmp=2668363

Pictopía. Radical design in a brave new world

2008-09-02T02:53:00.000-07:00

Desde el mes de abril, circula por las mesas y estanterías de las librerías el libro Pictopía, un recopilatorio del trabajo de mi amigos Sonia Díaz y Gabriel Martínez (miembros de Un Mundo Feliz).
Pictopía ofrece 400 ilustraciones y 200 mini-películas en Quicktime –todo ello libre de derechos-, que circulan en torno a temas sociales y políticos muy contemporáneos.
A continuación, os reproduzco un framento del texto que escribí en dicho libro:

“Como ellos mismos confiesan [Un Mundo Feliz], surgieron por necesidad, por 'poner un contrapeso en una balanza', la de trabajar para un mercado con el que no siempre se está de acuerdo.
Diseñando bajo mínimos económicos, son la demostración palpable de lo que significa ser diseñador-activista en la sociedad de la información. Conscientes de las posibilidades de difusión que ofrecen las tecnologías digitales y, especialmente, Internet, se mueven con enorme versatilidad en ese mundo pero también lo hacen en el del video y en el del papel, siempre con los pies entre el diseño, el arte y las estrategias –eso, sí, pervertidas a conciencia- de la publicidad. Con un desarrollado sentido de red, carecen de problemas para conectar con otros grupos de enfoque y perfil similares a los que les son propios y se muestran abiertos a una colaboración que no conoce fronteras. De hecho, habría que señalar que el reconocimiento les ha llegado antes desde fuera que desde su propia casa, pues, aunque suene a tópico más que manido, con ellos, hasta hace nada, se cumplía aquello de que 'nadie es profeta en su tierra'.
Como los describiría Liz McQuiston si tuviese que referirse a ellos en alguno de sus libros, Un Mundo Feliz son los representantes de un 'nuevo activismo', 'estrechamente emparentado con la acción cultural directa, la metodología del ‘hazlo tú mismo' ' y 'con una cultura visual en vías de expansión que comprende tanto los proyectos profesionales como el graffiti callejero'.
Conscientes del poder de los signos y empujados, por la necesidad de reaccionar ante lo que Susan Sontag denomina ‘el dolor de los demás’', en estas páginas nos dejan un trabajo que demuestra su esfuerzo por entender la realidad y por ayudarnos a comprenderla".

Además de mi texto, en Pictopía encontraréis artículos de Alain Le Quernec, Andrea Rauch, Josh MacPhee y Manuel Estrada.
La referencia completa es: VV.AA.: Pictopía, Barcelona, Promopress, 2008.
Para más información acerca del libro: http://pictopiabook.blogspot.com/2008_06_01_archive.html
Y si queréis saber más sobre el trabajo y las inquietudes de Un Mundo Feliz aquí tenéis la dirección de su web: http://www.unmundofeliz.org/

Cold War Modern. El diseño de la Guerra Fría.

2008-09-01T05:22:00.000-07:00

Micro-car Messerchmidt, 1957.

Eero Aarnio, "Globe chair", 1966.

Del 25 de septiembre de 2008 al 11 de enero de 2009, el Victoria & Albert Museum de Londres acogerá la exposición “Cold War Modern: Design 1945-1970”. Se trata de la primera muestra que explora cómo influyó la Guerra Fría en el diseño, la arquitectura, el cine y la cultura popular durante una etapa de la historia que los organizadores definen como “de alta tensión y excepcional creatividad”, un periodo “de ansiedad y tensión pero también de un gran optimismo y de un desarrollo tecnológico sin precedentes”.
La exposición lleva a cabo un recorrido desde 1945 hasta 1970, a través de 300 piezas procedentes de Estados Unidos, la Unión Soviética, Checoslovaquia, Polonia, Italia, Francia, Alemania Oriental y Occidental, Cuba y Gran Bretaña. En ella podemos encontrar desde las pinturas de Robert Rauschenberg, la moda de Paco Rabane, los objetos de Dieter Rams, la arquitectura de Le Corbusier y automóviles como el micro-car Messerchmidt –por cierto hay un museo dedicado a estos coches: http://www.microcarmuseum.com/tour/messerschmittkr201-black.html- hasta las películas de Kubrik pasando por un traje espacial de la época.
Para más información: http://www.vam.ac.uk/exhibitions/future_exhibs/cold_war/index.html

Joan Pedragosa o el acierto de escoger

2008-08-31T06:05:00.000-07:00

Joan Pedragosa en su estudio, trabajando en una escultura.

Identidad para la asamblea de la Alliance Graphique Internationale (AGI) celebrada en Barcelona en 1971.

Display "El Cafeto", 1968.

Tipografía "Galaxy", 1965-2000.

Marca "Vulca Pros" (calzados vulcanizados), 1963.

Ilustración tipográfica, 1963.

Marca "Viajes Ultramar Express", 1963.

Logotipo "Fogo", 1958.

“Somos lo que somos, más lo que escogemos”. (Joan Pedragosa).

Hoy finaliza el mes de agosto y no quisiera dejarlo pasar sin recordar a Joan Pedregosa, una de las grandes figuras del diseño gráfico español de los años sesenta y setenta, fallecido hace tres años.
Nacido en Badalona en 1930, entre 1947 y 1950 y en Badalona estudió dibujo lineal y estética con Pere Casajoana, al que siempre consideró su maestro.
Hacia 1955 comenzó a colaborar con diversas agencias de publicidad de Barcelona. Tres años más tarde, estableció su estudio y, en 1959 obtuvo el premio de la Feria de Barcelona con un cartel.
En 1960, marcha a Lausana como responsable del departamento de proyectos y creación gráfica del Conseil de Publicité Ralph M. Chavannes. Durante este periodo recibe un premio por su proyecto de stand para la firma Riam International y entra en contacto con el tipógrafo Alfred Thuillard.
Su estancia en Suiza durante dos años, le permitirá ampliar su formación y contribuirá a asentar los conocimientos adquiridos durante el ejercicio profesional. Se interesa por el constructivismo ruso y la geometría de Max Bill –antiguo alumno de la Bauhaus y ex director de la Escuela de Ulm- pero también le atrae el Futurismo. Tal y como declaró en una ocasión: allí adquirió su futura personalidad profesional “en cuanto a síntesis gráfica, en cuanto a la aplicación de elementos nuevos…” Ello le permitió, “avanzarme a lo que se hacía aquí; me aportó una aceleración profesional crucial”, en sus palabras.
A su regreso definitivo a Barcelona –y hay que decir que su estancia en Suiza fue interrumpida por visitas a la ciudad condal y que durante la misma continuó trabajando para clientes españoles como Mobba-, en 1962 abre su propio estudio en Tuset, una calle que se convertirá en la de la creatividad por excelencia pues en ella se concentraron un buen número de agencias de publicidad, fotógrafos y diseñadores. Entra entonces en una etapa de gran actividad creativa pero también de compromiso con la mejora de la profesión, tanto en sus aspectos prácticos como en los de su difusión y consideración social.
Ahora bien, en España la profesión no estaba del todo definida y, tal vez la búsqueda de una mejor delimitación de la misma le animó a él y a un grupo de amigos -Josep Baqués, Amand Domènech, Angel Grañena, Francisco Graus, Enric Huguet, Eudald S. Humà, Ernest Moradell, Josep Pla-Narbona, Sebastián Rey Padilla y Tomàs Vellvé- a fundar el 6 de diciembre de 1961 en Barcelona, Grafistas Agrupación del Fomento de Artes Decorativas (FAD).
En 1965, expuso, junto a Ricard Giralt Miracle, Gervasio Gallardo y Josep Pla-Narbona, en la Sala Gaspar de Barcelona. Bajo el título de “Cuatro Gráficos”, la muestra recibió críticas elogiosas. En paralelo a todas estas actividades, fue profesor de la Sección de Plástica Publicitaria de la Escola Massana y, en 1967, de Elisava.
Pedragosa se definía como constructivista, que, en su opinion, era una tendencia funcionalista y “fundamentada en la estilización de las líneas”.
Como los grafistas suizos, hablaba de buen diseño y siempre creyó que éste había “creado una forma de vivir” y había hecho que la gente viviese cada vez mejor. El diseño tenía una función específica: “servir y proporcionar bienestar”, una idea que conecta con el pensamiento social del diseño, desarrollado desde mediados del siglo XIX y especialmente patente, en el Movimiento Moderno.
En una ocasión, el crítico de arte Joan Perucho dijo que el trabajo de Pedragosa ostentaba “una calidad gráfica rotunda, fuertemente lacónica. Su fuerza se apoya en una racionalización de los elementos con los que debe operar y es limpio, directo, de una claridad meridiana. A la expresión sensible, Pedragosa opone la mayoría de las veces una ordenación casi matemática y con ello le otorga equilibrio, seguridad y eficacia. Con el variado repertorio de sus realizaciones, Joan Pedragosa se nos muestra como un grafista de una personalidad acusada y desbordante.”

Pedragosa tiene también una interesante trayectoria como escultor. Podéis encontrar información sobre la misma en: http://www.joanpedragosa.com/

En diciembre de 2006 publiqué un artículo sobre él en la revista del Museo de Badalona, Carrer dels arbres. La referencia completa es: Pelta, Raquel: "Joan Pedragosa o l'encert de saber escollir", Carrer dels arbres, 17, diciembre de 2006, pp. 97-108. Se trata de una conferencia que impartí con fecha 22 de marzo de ese mismo año.

Erik Nitsche. Simplicidad y elegancia.

2008-08-31T03:42:00.000-07:00

Ilustración para History of Communication.

Ilustración para History of Machinery.

Cubierta de la Memoria Anual de General Dynamics, 1959.

Doble página de la Memoria Anual de General Dynamics, 1957.

Anuncio de General Dynamics, 1955.

Cubierta de la revista Fortune, 1954.

Discos para Decca, c.a. 1950.

Portada de la revista Home & Food, 1943.

Doble página de la revista Home & Food, 1943.

Me escribe mi amigo Julio Sanz, -diseñador gráfico, especialista en el estudio de los títulos de crédito y profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Cuenca- y al hilo del centenario del nacimiento de Crous-Vidal, me comenta que habría que reivindicar a Erik Nitsche una de las grandes figuras de la historia del diseño que han quedado oscurecidas ante el brillo de nombres como los de Paul Rand, Lester Beall o Saul Bass. Y es que, aunque nacido en Suiza, Nitsche desarrolló su trayectoria profesional en Estados Unidos, teniendo que compartir tiempos con estos excelentes diseñadores.
Hay quienes, además, han señalado que ese “oscurecimiento” se debe en parte a que Nitsche prefirió permanecer en la sombra, pues siempre fue reacio a airear sus logros, convencido de que su trabajo debía hablar por sí solo.
Nació en Lausana (Suiza) en 1908 y estudió en el Collège Classique de esta ciudad y en la Kunstgewerbeschule de Munich. A comienzos de los años 1930, diseñó cubiertas para diversas revistas entre las que hay que mencionar Simplicissimus, Jugend y Der Quershnitt.
En 1934 emigró a Estados Unidos para establecerse en Hollywood. Dos años después, se trasladó a Nueva York, donde comenzó a diseñar portadas de revistas –Life, Look, Home & Food, Harper’s Bazaar, Town and Country, Fortune, Vanity Fair y House and Garden- y a ilustrarlas.
Durante los años cuarenta, Nitsche trabajó para la Twentieh Century Fox, -llevando a cabo las campañas promocionales de películas tan conocidas como All About Eve y No Way Out- y para Universal Pictures.
En ese mismo periodo, diseñó carteles para el metro de Nueva York y cubiertas de álbumes para la firma discográfica Decca.
En 1947 sustituyó a Herbert Bayer al frente de Dorland International, una agencia de Nueva York con sedes en varias ciudades europeas. Sin embargo, después de dos años de éxito, decidió que la vida de oficina no era para él, así que se compró una casa en Ridgefield (Connecticut) y se retiró alli para trabajar por su cuenta. Desde su nueva posición, se convirtió en consultor de la Standard Oil de Nueva Jersey y del Museo de Arte Moderno de Nueva York -diseñador gráfico y consultor tipográfico-.
Uno de sus trabajos más celebrados fue la identidad global que desarrolló para la General Dynamics Corporation. Su relación con esta organización comenzó en 1953 y no cesó hasta comienzos de los años sesenta, momento en que decidió marcharse a Ginebra.
Allí fundó Eric Nitsche International, S.A. (ENI, S.A.) y diseñó e ilustró los doce volúmenes de A History of Music, una obra que se publicó en tres idiomas. Entre 1965 y 1980 vivió en París y colaboró con la editorial Hachette en algunos proyectos especiales como la ilustración de la enciclopedia L’Épopée Nationale d’un Siècle.
Más tarde se estableció en Munich y luego, en 1996, volvió a Estados Unidos, donde murió en Danbury (Connecticut) 1998.
Pionero del movimiento moderno en diseño gráfico, -aunque nunca defendió dogma alguno, filosofía o estilo- destacó en todos los campos del diseño gráfico y, como ha señalado Steven Heller, en un artículo titulado “Erik Nitsche: The Reluctant Modernist” (http://www.typotheque.com/site/article.php?id=52), no fue un ciego seguidor de las fórmulas de la Modernidad, como hicieron otros diseñadores de su época. Su trabajo, fue el resultado de la fusión de sus primeras influencias clásicas con las estéticas contemporáneas pero siempre bajo una metodología que le aproximó a los modos del Movimiento Moderno donde la limpieza, la sistematicidad y el orden fueron elementos primordiales.
“Hay una simplicidad y elegancia… que reúne mucha información compleja y permite que sea absorbida sin reducirla… Pero incluso cuando organizaba grandes masas de material, Nitsche no dejaba frío. Es un completo humanista”, en palabras de Heller.
Los diseñadores Katie Varrati y Derrick Schultz (BustBright) mantienen en flickr una muy buena colección de imágenes de los diseños de Erik Nitsche: http://www.flickr.com/photos/eriknitsche/sets/

Vuélvete Underground. Fiesta de aniversario

2008-08-28T08:18:00.000-07:00

José Salas -Machines Désirantes- me envía lo siguiente para quienes estéis por Madrid mañana y os interese, además del diseño, la música:

"Machines Désirantes hemos preparado una fiesta muy especial para conmemorar el segundo aniversario de las Vuélvete Underground Parties, y la celebraremos, por todo lo alto, para homenajear a nuestros amigos y colaboradores que han hecho posible que este proyecto subterráneo se haya convertido en un referente de la noche madrileña más alternativa en los últimos dos años.
¡Larga vida a las Vuélvete Underground Parties!
Sin más preámbulos, os invitamos a nuestra gran fiesta de cumpleaños: el viernes 29 de agosto, coincidiendo con la reentré de Stardust, venid todos a disfrutar de una noche única: la Vuélvete Underground Special Triple B-day Party.

Este es el cartel:
Khan (Live / Berlín)
http://www.myspace.com/khanoffinland
http://www.khanoffinland.com/
+
Mario Ciëlo (Dj / Madrid) http://www.youtube.com/user/mariosilvania
http://www.clicknewwave.net/
+
All About Tomorrow (Vídeo / Madrid) http://www.myspace.com/tomorrow_people
http://www.pabloperezsanmartin.org/
+
Maria Tolstoukhine (Vídeo / Marsella)
http://www.myspace.com/lesmatieressynthetiques
http://www.marinatolstoukhine.net/
+
María Serrano (Foto / Madrid)
http://mariaserrano.es/
http://www.myspace.com/chulapayeah
+
Gonzalo Munilla (Filming / Madrid)
http://es.youtube.com/user/gnzlmnll
+
Josephine & The V.U. Tribe (Saturno)
http://www.myspace.com/machinesdesirantes
http://www.youtube.com/machinesdesirantes

Dresscode de celebración y absoluta sorpresa opcional, actitud obligatoria.

Vuélvete Underground 2º Aniversario
Special Triple B-day Party
29 de agosto en Satardust@Cool (Upstairs)
Isabel la Católica nº 6, Madrid.
De 24 a 06 h.

Para ver cómo fueron las anteriores fiestas visita: http://machines-desirantes.net/vuparties_past.html

Inspiración:
http://colourfulandsafe.blogspot.com/
Machines Désirantes, Madrid.
http://machines-desirantes.net/
http://colourfulandsafe.blogspot.com/
http://myspace.com/machinesdesirantes
http://youtube.com/user/machinesdesirantes "

En fin, la cosa promete que no sólo de diseño viven el hombre y la mujer. Pasadlo bien.

Kinetic Design. Creatividad para despertar la mente

2008-08-28T07:51:00.000-07:00

"Tarjetas" de visita del escritor Alex Goh.

Diseño de CD y packaging del mismo.

Packaging.

Roy Poh y Pann Lim fundaron Kinetic Design en Singapur en 2001. El estudio había comenzado dos años antes centrado únicamente en proyectos interactivos pero, espoleados por el éxito conseguido en poco tiempo, Poh y Lim decidieron ampliar la oferta y abrirse al diseño gráfico y a la publicidad.
Los miembros de Kinetic Design –que han pasado de ser tres a un equipo de veintidós personas-, creen, por encima de todo, en la creatividad y en su poder para despertar la mente de la gente.
Por eso, cuando en su web describen sus intenciones, comentan: “Por lo menos intentamos borrar la mala publicidad y el diseño de la faz de este planeta y liberar a sus ciudadanos de las propiedades entumecedoras de la mente de los malos anuncios y las aburridas websites. ¿Por qué no pueden diseñarse las websites de un modo diferente, con un poco de pensamiento y un poquito de estilo? ¿Por qué no pueden los anuncios ser provocadores para la mente, ingeniosos y entretenidos en igual medida?”.
Con esta manera de entender el diseño, Kinetic aborda proyectos muy diversos, desde catálogos y libros hasta páginas web, pasando por la televisión, el packaging o la identidad corporativa.
Su buen hacer les ha hecho merecedores de más de 150 premios nacionales e internacionales, entre los que pueden mencionarse los New York One Show, D&AD, Clio, Art Directors Club, YoungGuns Autralia y Singapoure Creative Circle.
De entre sus trabajos a mi me gusta especialmente el proyecto “Alzheimer’s Disease Awareness” pero hay muchos igualmente interesantes. La dirección de su web es: http://www.kinetic.com.sg/main.html

Fanette Mellier

2008-08-27T11:34:00.000-07:00

Cartel "Fiesta de la Música, 2008".

Circus. Intervención urbana, 2008.

Cartel "Bienal de la joven creación", 2006.

Dobles páginas del libro Bastard Batlle.

Cubiertas del libro "Dans la zone d'activité".

Detalle de la cubierta.

Doble página interior de Dans la zone d'activité.

Fanette Mellier es una diseñadora de tipos establecida en París. Entre 1997 y el año 2007, ha diseñado un significativo número de fuentes, muchas de ellas experimentales: Anthrite, Simplette, Futurenner, Machine, Insitu, Annabelle, Règule, Singe, Serafie, Chantilly, Elico, Remix 1 y Remix 2, Fracture Poule y Texto.
Mellier es, además, una interesantísima diseñadora gráfica. Desde mi punto de vista, su trabajo es espléndido por su capacidad para moverse en los límites de lo experimental pero siempre con un sentido y una realización impecables.
Entre el año 2007 y el 2008, fue seleccionada para llevar a cabo un proyecto en Chaumont, dentro de un programa de creadores en residencia. El resultado han sido una intervención tipográfica urbana –titulada Circus- a partir de un texto de Laure Lomongi cuyo objetivo era invitar al público a deambular por las calles como si paseara por un libro.
Fanette, además y como parte de esa estancia, ha llevado a cabo el diseño de una serie de publicaciones bajo el lema de “Chaumont: fictions (des livres bizarres)”. En ellas explora un tema que le atrae especialmente: la relación entre diseño gráfico y edición -y, en particular, entre grafismo y textos literarios- a través de la aplicación de nuevos materiales y el desarrollo de nuevas formas en el libro, entendido como objeto.
La diseñadora pidió a cinco escritores - Eric Chevillard, Manuel Joseph, Laure Limongi, Céline Minard and Louis Watt Owen- que crearan una ficción para poder darle forma. Se trataba de llevar a cabo una serie de creaciones “gráfico-literarias” que se pudieran mostrar, tocar, escuchar e, incluso, degustar.
Uno de los libros, el de Eric Chevillard titulado Dans la zone d’activité, recoge una treintena de textos breves consagrados a oficios o profesiones relevantes en un amplio sentido y relacionados con esa zona de actividad que constituye el mundo del trabajo. Al escritor les parecía sumamente interesante imaginar a los seres humanos reducidos a su función profesional y para Fanette era una oportunidad para investigar cómo transmitir las ideas contenidas en el libro, mediante los elementos gráficos.
La puesta en página es clásica. Sin embargo, la diseñadora ha trabajado con materiales y técnicas diversos y ha tratado de encontrar un lenguaje que reforzara el sentido de la obra literaria. El resultado se expuso en una muestra celebrada en Chaumont entre febrero y marzo de 2008 y la obra fue premiada en el Concurso de los libros franceses más bellos de 2007.
El segundo de los libros del proyecto es Bastard Battle de Céline Minard, inspirado en hechos reales y con una escritura que es un híbrido entre el francés antiguo y la literatura manga. Por su parte, Mellier ha investigado sobre la puesta en página de las referencias históricas y culturales inherentes al texto. La diseñadora comenta que no quería un diseño ultrareferencial pero sin ignorar las referencias quería trabajar sobre la dimensión de “ovni literario” de esta obra.
Ambos libros se pueden conseguir, a un precio bastante asequible, en esta web: http://www.editions-dissonances.fr/?page=graphique

Y, por supuesto, estos y otros muchos diseños de Fanette Mellier pueden seguirse en su página web: http://www.fanettemellier.com/ Desde luego no es una web para los que tienen prisa –hay que ir encontrándose con ventanas que tardan un poco en abrirse- pero es entretenida, los trabajos son fantásticos –siempre en mi opinión- y la diseñadora nos explica cada proyecto con bastante detalle. La web sólo puede leerse en francés pero merece la pena darse una vuelta por allí.

Maximilien Vox. Algunas citas

2008-08-26T01:27:00.000-07:00

Ayer coloqué una entrada sobre Maximilien Vox y hoy os dejo unas cuantas citas suyas, que he seleccionado -y traducido- entre las lecturas que estoy haciendo para la preparación de la exposición de Crous-Vidal que, como ya comenté en este blog, se celebrará en el Museu d'Art Jaume Morera de Lérida. Son frases breves procedentes de artículos que publicó durante las décadas de 1950 y 1960.

Las que siguen son genéricas y, en mi opinión, bastante intemporales:

“[…] la disciplina de la tipografía es a la vez: fijadora del lenguaje, expresión de la historia, objeto de estética, sujeto biológico y agente social.”

“A aquellos que discuten la importancia que atribuimos a la tipografía y a sus derivados gráficos, les diremos que si no es la primera, al menos es la más ‘químicamente pura’ de las ciencias humanas”.

“Repitámoslo: la letra no progresa en línea, sino en círculo; es más bien una espiral. Se puede prever el retorno de las formas como el paso de los astros”.

“El curso de la tipografía, como el de todas las artes, se jalona con nombres que absorben y refractan la luz”.

Las que vienen a continuación, sin embargo, hay que entenderlas en el contexto de las discusiones que se plantearon en la época, en torno a los tipos de palo seco como Univers o Helvética y que procedían, en su mayoría, de Suiza o de Alemania. Como veréis, Maximilien Vox se mostró bastante crítico con estas propuestas tipográficas:

“Los hombres de la letra no son, en general, hombres de letras: cuando piensan en el libro, es para mirarlo, no para leerlo.
Ahora bien, ante el carácter, lineal o no, está la lectura.”

“Las lineales –las Helvéticas, se digan Latinas, Inglesas, Normandas- no podrán progresar en detrimento de la lectura. Son por excelencia, el carácter de quienes no leen, en Francia. Y, en Suiza, en los países germánicos, el carácter de aquellos que quieren tener el mérito de leer”.

“A las nuevas ventajas muy ciertas, la lineal helvética une prestigiosas virtudes soporíferas, que adormecen el espíritu público, atenuando las reacciones críticas. Una mentalidad básica que extiende su imperio sin tener que ganar guerras.
El nirvana del pacifismo. Ahora bien, el libro es la batalla.”

“Un secreto humano se ha perdido en el camino: es que detrás del ojo, ese mecanismo, está el espíritu, el cual no reclama la monotonía de una página uniforme sino la variedad de caracteres en el interior de la palabra. Su juego, sus asonancias, sus destellos.” (En esta última, indudablemente, Vox se refiere a las propuestas gráficas de la Escuela Suiza, que a comienzos de los años 1960 estaba triunfando en todo el mundo).

"Type Specimen" en Flickr

2008-08-25T10:42:00.000-07:00

Los amantes de la tipografía podéis encontrar más de 1.260 imágenes de especímenes en este grupo de Flickr: http://www.flickr.com/groups/type_specimen/pool/

En algunos casos hay comentarios y en otros no y, por supuesto, unas imágenes aportan más que otras pero en conjunto hay cosas interesantes.

Que lo disfrutéis.

Maximilien Vox (1894-1974), fundador de los Encuentros Internacionales de Lure

2008-08-25T03:34:00.000-07:00

Maximilien Vox.

Fragmento de su clasificación tipográfica.

Doble página de la revista Caractère Nöel 57.

Anuncio diseñado por Vox en 1930.

Como ya comenté ayer, hoy se inician en Lurs los Encuentros Internacionales de Lure, así que aprovecho para recordar quién era Maximilien Vox, uno de sus fundadores y, sin lugar a dudas, una de las grandes figuras de la tipografía francesa del siglo XX.
Nacido el 16 de diciembre de 1894 en Condé-Sur-Noireau (Calvados), su verdadero nombre era Samuel William Théodore Monod. Grabador, diseñador gráfico, ilustrador, periodista, editor, crítico de arte y estética, historiador de la letra y de la tipografía, estudió en Rouen y terminó sus estudios de secundaria en París.
Hacia 1914 comienza a publicar sus dibujos humorísticos en L’Humanité, Floréal, La Guerre Sociale. Más adelante trabajó con secretario de redacción de la revista de Paul Iribe, Le Mot, donde conoció a Jean Cocteau. Por aquel entonces, firmaba sus ilustraciones como Sam Monod o Esmono pero hubo de cambiar su firma porque a su familia –de religión protestante- no le parecía correcto que utilizara su apellido, máxime tratándose de dibujos de crítica social.
Tras su matrimonio en 1917, comienza a practicar el grabado y se instala en París, donde trabaja para la firma Plon y, después, para la casa Grasset. Estos serán sus inicios en el mundo de la tipografía. En 1926 recibe el premio Blumenthal por las cubiertas de los libros que había diseñado para la colección “Les Cahiers verts”, de Bernard Grasset.
Artista ecléctico, diseñador de carteles y de publicidad, su relación con la tipografía crece cuando empieza a trabajar para Deberny et Peignot. Entre 1928 y 1934, realiza para esta fundición Les divertissements typographiques, una publicación donde presenta, mediante modelos compositivos, las creaciones tipográficas de la empresa. Al mismo tiempo, continúa su carrera como periodista, traductor y caricaturista político.
Entre octubre de 1936 y abril de 1940, publica el periódico literario Micromégas y diseña cubiertas para la revista Le Document.
Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Vox trabaja para el Ministerio de Información –bajo el mando del mariscal Pétain- y en 1942, funda la Unión Bibliófila de Francia donde se dedica a la producción de ediciones limitadas.
Tras la Liberación, se consagra a la tipografía y en 1949, junto a Emmanuel Olive, pone en marcha la revista Caractère, al frente de la que estará hasta mediados de los años sesenta.
En 1952, junto a Jean Garcia, Jean Giono, Lucien Jacques y Robert Ranc, funda los “Encuentros Internacionales de Lure”, en el pueblo de Lurs-en Provence, un lugar que, desde entonces, se convertirá en referencia obligada para los especialistas en diseño, artes gráficas y tipografía de todo el mundo. Asimismo, crea el grupo de “Compagnons de Lure”, una asociación registrada oficialmente en 1957.
Vox fue también profesor de la École du Louvre y de la École des Beaux-Arts. Sensibilizado con los problemas de la creación tipográfica, la historia de la letra y sus transformaciones a lo largo del tiempo, en 1954 propuso la clasificación tipográfica (http://www.imprimerie-online.com/experts/caractere/classification/vox.htm o también http://typeindex.org/tutorial_class2.php) que lleva su nombre y que más tarde fue adoptada por ATypI, bajo la denominación de “Vox-ATypI”.
Fue, además y a lo largo de la década de 1950, uno de los motores del movimiento denominado “Grafía Latina”, -del que formó parte y fue también impulsor Enric Crous-Vidal-.
Maximilien Vox murió en Lurs el 18 de diciembre de 1974.

Encuentros de Lure

2008-08-24T07:49:00.000-07:00

Mañana, en la población francesa de Lurs (http://www.provenceweb.fr/f/alaupro/lurs/lurs.htm), comienzan los Encuentros Internacionales de Lure, un prestigioso evento tipográfico que cumple ahora 56 años.
Creados en 1952 por Maximilien Vox, Jean Garcia, Jean Giono, Lucien Jacques y Robert Ranc, han conseguido reunir desde sus inicios a algunos de los más reconocidos artistas, literatos, diseñadores y tipógrafos del mundo. Por allí han pasado Savignac, Marcel Jacno, Jean Giono, Ionesco, Massin, Paul Virilio, Adrian Frutiger, Roger Excoffon, Hermann Zapf, Aldo Novarese, Summer Stone, David Carson, Jean-François Porchez, Pierre Di Sciullo, Peter Bil’ak, Fred Smeijers y Leonardo Sonnoli, entre otros muchos.
El objetivo que animó su creación, según Maximilien Vox, fue “reunir a hombres de buena voluntad en un clima de reflexión favorable a la creación de un nuevo humanismo”.
Así lo señalaba también el diseñador italiano Aldo Novarese en un artículo publicado en Caractère Nöel 60: “La misión de la Escuela de Lurs es, por un lado, desarrollar un espíritu de reflexión y de perfeccionamiento, el sentido de lo humano; y por otra parte, ayudar a la investigación de una solución a los problemas pendientes, asegurando en un clima neutro, un respiro a las personas que trabajan en la misma rama, permitiéndoles confrontar sus impresiones en un amplio intercambio de voces”.
Cincuenta y seis años después parece que el espíritu inicial de los Encuentros se mantiene.
Este año se titulan “Vendu. Le contrat graphique”( http://www.rencontresdelure.org/ete/inscrip.html) y estarán en marcha hasta el 30 de agosto.
Por cierto, entre los conferenciantes se encuentran una buena amiga mía, la diseñadora de tipos catalana Laura Meseguer (http://www.laurameseguer.com/), Nadine Chahine y Sébastien Morlighem, que también estuvieron en el III Congreso de Tipografía de Valencia.

Saki Mafundikwa

2008-08-23T03:01:00.000-07:00

Saki en el II Congreso de Tipografía. Valencia, 2006.

Logotipo de ZIVA, la escuela fundada por Saki.

Estudiantes de ZIVA.

Cubierta del libro Afrikan Alphabets.

Doble página de African Alphabets.

Hace dos días, Carlos hizo un comentario a la entrada de Chaz Maviyane-Davis y cuando me puse a contestar volví a pensar en lo poco que sabemos de lo que sucede en el mundo no occidental.
Al hilo de la reflexión se me ocurrió que sería bueno incluir en este blog una pequeña mención al trabajo de otro africano: Saki Mafundikwa.
En el años 2006, invitamos a Saki a participar con una conferencia en el II Congreso de Tipografía que celebramos en Valencia y, como me sucedió también con Chaz, creo que fue una gran suerte conocerlo personalmente. A todos nos dejó impresionados por su optimismo y su implicación.
Saki estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Yale, trabajó en Nueva York (desde 1985 hasta 1997) y fue profesor de The Cooper Union, hasta que decidió regresar a su país –Zimbabwe- tras veinte años de ausencia.
En 1999, fundó la primera escuela de diseño gráfico y nuevos medios: la Zimbabwe Institute of Digital Arts (ZIVA).
Dice Saki que inventó la palabra “vigital” para describir la formación que quería impartir a sus estudiantes “en las artes visuales pero usando las herramientas digitales”. El acrónimo “ZIVA” es, además, un término Shona que significa “conocimiento”.
Aunque la escuela a menudo se enfrenta con las dificultades de trabajar en un contexto carente de libertades, ha ido saliendo adelante y, lo que es más, ha ido consiguiendo el respeto internacional.
En un texto al que podéis acceder desde este enlace (http://www.itcfonts.com/Ulc/2621/DesignAfrika.htm) Saki afirma: “En el corazón de la misión de ZIVA está el deseo de crear un nuevo lenguaje visual, un lenguaje inspirado por la historia, un lenguaje que está informado pero no dictado por o confinado al diseño europeo, un lenguaje que esté inspirado por todas las artes (escultura, tejidos, pintura y religión africana), un lenguaje cuya inspiración sea África. Estamos en un cruce de caminos de la historia del diseño justo ahora que los jóvenes diseñadores del mundo occidental rechazan la camisa de fuerza que limita lo que es o no es diseño.”
Saki es, también, tipógrafo y sus intereses en el terreno tipográfico junto a sus inquietudes identitarias, le llevaron en el año 2004 a publicar el libro Afrikan Alphabets. The story of writing in Afrika, en el que nos habla de los sistemas de escritura del continente africano, desde una visión personal.
En estos momentos la web de ZIVA –y la de Saki- http://www.ziva.org/ está en construcción pero parece ser que funcionará a partir del próximo 15 de septiembre.

La referencia completa del libro de Saki es:

Mafundikwa, S.: Afrikan Alphabets: The Story of Writing in Africa, Mark Batty Publisher, 2007. (La primera edición en tapa dura es de 2004).

You Suck at Photoshop

2008-08-22T04:27:00.000-07:00

Cabecera de la serie.

Episodio 1.

Episodio 2.

Imágenes del episodio 3.

Troy Hitch y Matt Bledsoe, Big Fat Institute.

¿Cansados de los aburridísimos manuales de Photoshop? En ese caso os recomiendo seguir el genial curso de Donnie Hoyle, un auténtico friki, sarcástico y posiblemente cornudo, que nos narra sus peripecias vitales a través del tratamiento de imágenes con Photoshop.
Pero, ¿quién es Donnie Hoyle? Nuestro friki es el protagonista de la mini-serie “You Suck at Photoshop”, un personaje inventado por Troy Hitch y Matt Bledsoe los fundadores de la agencia Big Fat Institute (http://www.bigfatinstitute.org/) que, desde el año 2005, viene ofreciendo un enfoque creativo realmente interesante.
En esta página encontraréis un artículo sobre los autores de la criatura: http://www.time.com/time/magazine/article/0,9171,1736726,00.html
Dice Bledsoe que el personaje está inspirado en la realidad: “Ambos –se refiere a él y a Hitch- hemos estado en el negocio de la agencia tanto tiempo que hemos visto este tipo de personajes en el mundo de la publicidad” y uno de esos estereotipos es el del “diseñador insano, básicamente. Sus habilidades sociales son horribles y las cosas le van horrorosas en su vida, y lo único que le funciona es que puede superar en Photoshop al chico del cuarto de al lado”.
La serie consta de pequeños videos que únicamente muestran la pantalla del ordenador y la voz en off de Donnie Hoyle. Se emite en MyDamnChannel.com y está en su segunda temporada. Para verlos, podéis entrar en: http://www.mydamnchannel.com/Big_Fat_Brain/You_Suck_at_Photoshop__Season_1/YouSuckatPhotoshop1_398.aspx

y http://www.mydamnchannel.com/Big_Fat_Brain/You_Suck_At_Photoshop__Season_2/YouSuckAtPhotoshop11SmartObjects_803.aspx

Donnie nos enseña, entre otras muchas cosas, cómo coloca un certificado de matrimonio en la foto de la furgoneta en la que su mujer pasa bastante tiempo con un amigo (episodio 1), cómo trata la foto que contiene sus ideales vacacionales o cómo deforma la imagen del jefe, siempre con el mayor de los dominios técnicos, claro.
Este año, la serie ha recibido dos premios Webby, -los oscars de la web- a la mejor comedia y al mejor “cómo hacer series ‘hazlo tú mismo’” y son miles las personas que la siguen.
Los episodios no tienen desperdicio y, sobre todo, puede aprenderse Photoshop de una manera divertida. No os los perdáis. Eso sí, hay que advertir que son en inglés.

Chaz Maviyane-Davies. Desafío creativo

2008-08-21T09:05:00.000-07:00

Chaz Maviyane-Davis

Postal "Cocacolonización".

Cartel sobre los efectos negativos de la globalización.

"Comentario gráfico" distribuido por e-mail, durante las elecciones del año 2000 en Zimbabwe. Forma parte de la serie "30 days of ‘graphic activism".

Cartel contra la pena de muerte en África Central.

Cartel con el SIDA por temática.

Hace unos días me llegó un mail de Chaz Maviyane-Davis. En él contaba que está pensando hacer un libro sobre su trabajo.
Si algo se puede destacar de Chaz es, sin duda, la valentía y la fuerza de su trabajo.
Tuve la suerte de conocerlo en febrero del año 2007, en un ciclo de conferencias en el que participamos ambos, organizado por la Universidad de las Américas (UDLA) en Puebla (México).
Si siempre me había gustado su trabajo, no podéis imaginar lo que supuso para mí conocerlo en persona porque su calidad humana es impresionante. Nunca olvidaré, además, que compartimos el viaje de regreso a México D.F. para tomar nuestros respectivos aviones de vuelta, en un autobús a las 5 de la madrugada y en el día de mi cumpleaños.
En aquel ciclo de conferencias (Códice 6), Chaz, en una intervención sumamente emotiva, nos habló de la tremenda situación política de Zimbabwe y de quienes luchan por la libertad frente al abuso de poder y el terror.
Entre esos luchadores se encuentra él, obligado al exilio precisamente por un activismo que no ha cesado ni un momento. Cuando alguien le preguntó si, durante sus años en Zimbabwe, no había tenido miedo, su respuesta fue que él hacía lo que tenía que hacer con lo que sabía hacer y que se lo debía a todas esas personas muertas o encarceladas por la dictadura.
Nacido en Rhodesia (hoy Zimbabwe), en 1974 se marchó a estudiar a Zambia y más tarde a Inglaterra, donde se formó en la Middlesex University, la Central School of Art & Design de Londres y la Central St. Martins School of Art and Design, también de Londres –donde estudió cine-.
A la vuelta a su país de origen, estableció su estudio “The Maviyane-Project” en Harare y lo mantuvo en funcionamiento desde 1983 hasta 2000. Comenta que contó con un equipo de ocho personas pero que la experiencia, a nivel personal, no fue satisfactoria porque pasaba más tiempo atendiendo a los clientes que diseñando. Con el tiempo pensó en la posibilidad de trabajar en su casa para clientes interesantes antes que mantener una estructura empresarial. Así que, Chaz decidió que no sustituiría a la gente que iba abandonando su estudio para emprender nuevas trayectorias laborales –como suele ser habitual en el mundo del diseño- y acabó quedándose solo.
En Zimbabwe, su clara defensa de los valores democráticos le convirtió en persona non grata para el régimen de Mugabe y se vio obligado a marcharse. Establecido actualmente en Estados Unidos, es ahora profesor de Diseño en el Massachussetts College of Art de Boston.
De entre todos los campos del diseño gráfico, Chaz se siente especialmente cómodo diseñando carteles, algo que se nota porque su obra cartelística es de una realización técnica espléndida. Pero, además, sus carteles transmiten la fuerza que el mejor cartel político-social siempre ha sabido transmitir. En manos de Chaz el cartel es un arma, con la que lucha por la voz casi siempre silenciada de los africanos y, en realidad, de todos aquellos seres humanos que sufren. Con sus carteles defiende los derechos humanos, conciencia sobre el SIDA, obliga a la reflexión sobre el consumismo y el medioambiente pero, sobre todo y siempre, llama a la responsabilidad social.
Además de sus diseños, Chaz ha escrito y dirigido “After the Wax”, un corto que muestra su visión personal sobre la nacionalidad y la identidad.
Como os podéis imaginar, Chaz ha conseguido numerosos galardones pero se siente especialmente orgulloso del que le otorgó el Simmons College de Boston por “su valentía e integridad a la hora de estimular el activismo para el cambio social”.
Aquí os dejo una cita, relacionada con uno de los temas que le preocupa -el de la identidad-:
“Nuestro destino como diseñadores africanos está ligado a la necesidad de un profundo cambio social. Necesitamos construir un nuevo lenguaje gráfico relevante para nuestros problemas, valores y aspiraciones”.
Y aquí tenéis el texto que da inicio a su web:
“Con los años he intentado usar imágenes e ideas para abrir camino a través de la complacencia y la apatía, tratando mientras de aumentar la conciencia sobre una serie de temas sociales, desde la discriminación y los derechos humanos a la salud y el medioambiente.
Crear una visión alternativa como mi expresión en un cuerpo político regresivo dominante no ha sido nunca fácil pero el diseño es mi arma y en ello reside el reto que denomino 'Desafío Creativo'".
Desafío Creativo (Creative Defiance) es, precisamente el título de su web: http://www.maviyane.com/
Mientras llega ese libro –que yo espero impaciente-, os aconsejo consultarla.

Thinking with type. A critical guide for designers, writers, editors & students

2008-08-20T01:48:00.000-07:00

Lupton, Ellen: Thinking with type. A critical guide for designers, writers, editors, & students, Princeton Architectural Press, 2004.

Aunque este libro apareció hace ya cuatro años, creo que es bueno hacer un comentario para aquellos que todavía no lo han tenido entre sus manos.

Ellen Lupton es conservadora adjunta de diseño contemporáneo en el Cooper-Hewitt Nacional Design Museum, Smithsonian Institution de Nueva York.
Entre las exposiciones que ha comisariado hay que mencionar: “Mechanical Brides: Women and Machines from Home to Office” (1993), “The Avantgarde Letterhead” (1996), “Mixing Messages: Graphic Design in Contemporary Cultura” (1996).
Es directora del programa de diseño gráfico del Maryland Institute, College of Art, de Baltimore.
Ha publicado varios libros entre los que pueden citarse Skin: Surface, Substance + Design, Design Cultura Now, Mixing Messages y Design Writing Research.
Este libro es una especie de manual tipográfico surgido de su propia experiencia como profesora de tipografía. Como ella misma indica, no es un libro sobre fuentes tipográficas sino sobre cómo usarlas y una de sus características es que es un libro bastante abierto, por lo que se refiere a los ejemplos que ofrece. Es decir, la mayoría de los manuales de tipografía pecan de un cierto aire de recetarios de cocina no exento de dogmatismo.
La autora pretende aquí mostrar la diversidad tipográfica sin caer en esos dogmatismos.
La obra se divide en tres capítulos: letra, texto y retícula.
En el primero, se lleva a cabo una breve historia del diseño de tipografía, desde el nacimiento de la imprenta y hasta el año 2000, con ejemplos bastante recientes del diseño de tipos contemporáneo.
Como no podía faltar en un manual de estas características, se explican conceptos como el de anatomía, tamaño, clasificación, familias y quizá lo más original de este apartado es la explicación sobre cómo se diseña una tipografía, y cómo se crean las fuentes para pantalla.
En el capítulo dedicado al "Texto", se trata del espacio –con una breve alusión a la teoría de la deconstrucción de Derrida y a las ideas de Roland Barthes que, habitualmente, faltan en los manuales al uso-, del kerning y del tracking, el interlineado, la alineación, la jerarquía –también en la web- y la accesibilidad. El apartado finaliza con algunos ejercicios que pueden servir de ejemplo a los profesores. Un aspecto interesante de este capítulo es que en él se integra ya una referencia a la web, que falta en muchos de los manuales existentes al día de hoy.
Respecto al capítulo 3, dedicado a la Retícula, se realiza un recorrido por su historia, para luego comentar sus aspectos en la web y explicar los distintos tipos de retículas que existen. Para finalizar, se propone una serie de ejercicios.
Aunque en el mercado han aparecido recientemente algunos manuales en esta misma línea, creo que el libro de Lupton realiza algunas aportaciones interesantes como es la inclusión de una perspectiva histórica, breve pero sustanciosa, en cada capítulo, la consideración de la web como un soporte habitual y ejemplos que pueden servir de guía a profesores. De nivel básico –para alumnos que se inician en el campo tipográfico- es un libro sencillo y bien escrito que puede funcionar como manual en las asignaturas de tipografía y diseño editorial.

Homenaje a Enric Crous-Vidal. III Congreso Internacional de Tipografía, Valencia 2008

2008-08-19T16:41:00.001-07:00

Andreu Balius y Carlos Cabañas

Iván Castro

Estudio Paco Bascuñán

Jordi Embodas

Hernán Ordoñez

Con motivo del centenario del nacimiento de Enric Crous Vidal y en el marco del III Congreso de Tipografía de Valencia, solicité a 44 diseñadores su colaboración para que realizaran una pieza de homenaje a este diseñador. Se trataba, simplemente, de utilizar alguna de las tipografías creadas por él –en especial la Fuga de Arabescos- para darle un uso contemporáneo. Más adelante os mostraré más resultados pero de momento aquí os dejo con cinco de los trabajos que se expusieron.